_Revista de Dança__

Estamos chegando

2012-02-16T18:17:00.002-02:00

Em breve, http://www.revistadedanca.com.br/

Vamos dançar?

Novidades

2012-01-15T13:41:00.001-02:00

Em breve, o blog reformulado. 2012 está cheio de novidades para a dança. Não percam, a partir de março!
Antes que seja tarde, Feliz Ano Novo!
abraços e até lá,
Flávia e Marcela

Universo masculino

2011-11-09T15:54:00.000-02:00

Por Flávia Fontes Oliveira

Sociedade Masculina, Entre o Corpo e o Azul.
Foto: divulgação

Meio em cima da hora, mas par quem está em São Paulo, vale a pena hoje e amanhã, dias 09 e 10, no Teatro Sérgio Cardoso, a apresentação da Sociedade Masculina de Dança, com a estreia de Tão, de Jomar Mesquita, e Entre o Corpo e o Azul, de Henrique Rodovalho.

É uma companhia formada apenas por homens, vindos de todo Brasil, dirigida por Anselmo Zolla e Vera Lafer. As duas coreografias da noite exploram o que oferecem de melhor, força, habilidade, energia, nuances na delicadeza. Os bailarinos valem o esforço.

Rodovalho definiu sua coreografia como “a possibilidade de desenvolver um labirinto humano e reflete a situação do preso, do perdido, dentro de um espaço”. Jomar Mesquita retrata as relações em duos românticos, íntimos, às vezes agressivos, mas sempre criativos nas sequências, embalados pela música de Cole Porter, So in Love, repetida obsessivamente.

Nos dias 17 e 18, no mesmo teatro, o Studio 3 Cia de Dança reapresenta, depois de temporada em Paris, Martha Graham - Memórias. A coreografia de Anselmo Zola tem direção de José Possi Neto e foi inspirado na trajetória da coreógrafa moderna americana. Os 16 bailarinos em cena mostram o universo da dançarina a partir da infância até seu reconhecimento artístico mundial.

IMPORTANTE: Os dois espetáculos contam com o Projeto Escolas de Dança, que oferece uma quantidade de convites cortesias para alunos e professores. Para fazer a reserva: 11 | 3083-0172.

Marcello Castilho Avellar

2011-11-02T12:22:00.000-02:00

Marcello Castilho Avellar era crítico de artes do Estado de Minas e faleceu ontem, aos 50 anos, em Belo Horizonte.

Eu não o conhecia pessoalmente, mas acompanhava seus textos, seu interesse pela dança. Com generosidade, olhava a dança como poucos: tinha distanciamento, conhecimento (não apenas de dança), colocações inteligentes e tinha prazer nas palavras. Você podia não concordar com ele, mas suas razões estavam ali, sem ofensas ou maquineísmo.

Recentemente, fez uma crítica ao filme de Marcela Benvegnu e Inês Bogéa, Roseli Rodrigues - Poesia em Movimento. Fará falta.

Meios da dança

2011-10-27T22:51:00.000-02:00

O Acervo Mariposa, videoteca pública especializada em dança, que tem à frente Nirvana Marinho, trabalha com a missão de oferecer informação pela imagem, das várias maneiras que o corpo e as cenas podem gerar conhecimento. Hoje, ele lança mais uma frente de atuação, o Rede Dança em Vídeo, com patrocínio da Vivo, através do Programa de Ação Cultural da Secretaria da Cultura - Governo do Estado de São Paulo. O projeto propõe uma rede de vídeos de dança com companhias de grande porte, grupos de danças e artistas independentes do Estado de São Paulo. Todos os artistas podem doar e receber os vídeos de produção regional.

“O projeto traçará uma rede de artistas, grupos e companhias do estado de São Paulo de duas formas distintas. Aquisição por chamamento, contato direto com as companhias listadas em uma pesquisa prévia realizada para o projeto e convocatória para doação de materiais de outras companhias não listadas anteriormente. Qualquer material só será recebido diante da apresentação do termo de autorização com os selos Creative Commons, oferecido pelo próprio Acervo Mariposa em sua página web”, diz Jaqueline Vasconcellos, responsável pela comunicação do Acervo.

Segundo a organização, o objetivo é adquirir em torno de 500 obras, que possam circular entre interessados e artistas. É um importante passo para informação, divulgação e, principalmente, conhecimento da dança no Estado. Para saber mais, acesso o site www.acervomariposa.com.br

Velhos e novos sonhos

2011-10-15T12:26:00.001-03:00

Por Flávia Fontes Oliveira

Cosme Gregory, talento brasileiro. Foto: acervo do artista

Cosme Gregory, aos 23 anos, tem um sonho aparentemente comum: ser um bailarino reconhecido pelo seu trabalho, estar em uma boa companhia de dança, ter uma estabilidade financeira para que possa viver. Mas quando falamos em dança, o caminho é mais longo e, por vezes, tortuoso.

Mas Cosme, natural de Natal (RN), está aí para provar que abrir caminhos é possível. Começou e estudar aos oito anos, na cidade onde nasceu, fazendo aulas de danças populares. Apaixonou-se ao observar uma aula de balé clássico.

Atualmente faz parte Cia. Jovem da Escola do Teatro Bolshoi no Brasil e considera o período que passou pela Escola Bolshoi “um presente”, pelo trabalho artístico e seriedade.

Recentemente, uma experiência com a Cia de Dança Deborah Colker o colocou em um “turbilhão”, nas suas palavras, de tantos aprendizados e sentimentos. Dançou por 15 dias um dos papeis de Tatyana (2011), último trabalho da coreógrafa, na turnê pelo Nordeste. E encantou. É para ficarmos de olho.

naBolsa | Ana Luisa Grecco

2011-09-19T22:04:00.000-03:00

Ana Grecco: bolsa de bailarina lotada...

Por Marcela Benvegnu

“Na minha bolsa tem remédio pra dor de cabeça e para cólica (para as alunas adolescentes), grampo de cabelo para mim e lacinhos para o baby class, dois pen drives, um com músicas de balé e outro de jazz dance, minha carteira, agenda, duas sapatilhas, sendo que uma é rosa e outra é preta, e uma necessarie com escova de dente, pasta e protetor solar”.

Ana Luisa Grecco, 32, é professora de balé clássico e de jazz em Jundiaí. "Dar aula é compartilhar com as alunas tudo o que eu aprendi na dança. É aprender com elas a cada dia, conhecendo-as uma a uma e criando um laço vai além dos palcos”, diz.

Esse conluio de corpos em convulsão...

2011-09-19T16:14:00.000-03:00

Por Ricardo Mattos*

“A possessão física continuava aí. Este cataclisma que era meu corpo... Após vinte e oito dias de espera, ainda não tinha voltado a mim – ou melhor dizendo, saído até mim. Até mim, esta montagem deslocada, este pedaço de geologia avariada”

Artaud, A Dança do Peiote

Foto: divulgação.

Saía todo desconjuntado... era muito esquisito ainda andarmos equilibrados naquelas duas flâmulas que insinuavam nossas quedas. Parecíamos todos dispormos dos gestos de maneira tão ordinária: um passo após outro... essa marcha simétrica tão pequena diante de suas possibilidades.

Aquelas escadas de saída faziam mesmo parte do cenário: nossos passos teimariam ainda em caminhar ordenados, sem ser assaltados pelos sobressaltos, solavancos dos movimentos aleatórios?

Na soleira do inesperado, a alameda dos sustos, o alarido dos surtos. Aquelas Dobras de Wellington Duarte e Vera Sala me fizeram visitar um corpo flácido, desmontado de suas significações cotidianas; grávido de novos sentidos inaugurados a cada passo. E cada passo era um salto. Entreguei-me a vagar aos tropeços etílicos; a experiência dessas pernas encurtadas que desafiavam o plano monótono das calçadas. Chegavam sempre depois ao chão, um gesto largo das pernas que demoravam no ar e espraiavam no chão desequilibradas, como em um elemento movediço.

Fremia meu corpo com aquele mesmo elemento do espetáculo: a exaustão dos provocadores no palco que contagiava nossos modos e garantia aquele conluio de corpos convulsionando em busca de outros gestos - esses comparsas do cataclisma.

* Texto livre sobre a experiência no espetáculo Dobras (criação, execução e interpretação de Wellington Duarte e Vera Sala), exibido de 08 a 11/09, no Centro Cultural de São Paulo.

Ricardo Mattos é poeta e psicólogo.

Iniciativas

2011-09-16T18:41:00.003-03:00

No último dia 14, foi lançado no CEU Paraisópolis, em São Paulo, o Projeto de Ballet Clássico na Comunidade, idealizado pela bailarina e professora Monica Andreatta Tarrragó em parceria com a União dos Moradores e do Comércio de Paraisópolis.

O projeto pretende atender cerca de 300 crianças e o início das atividades está previsto para fevereiro de 2012. Para tanto, todos os pretendentes às vagas precisam estar matriculados no ensino fundamental e ter regularidade nas aulas. Além das aulas, os meninos e meninas terão ações com profissionais do universo da dança, como mestres, bailarinos, músicos, ortopedistas e fisioterapeutas.

O projeto foi aprovado pela lei Rouanet e precisa do apoio fundamental para seguir em frente.

Sem perder chances

2011-08-24T15:23:00.000-03:00

Por Flávia Fontes Oliveira

Paula Penachio em Tchaikovsky pas de deux com Marcelo Gomes
Foto: Willian Aguiar| divulgação

Paula Penachio não vem de um conto de fadas do balé clássico. Seu físico não é o ideal para a técnica. Aprendeu a superar estas e outras questões apostando em sua musicalidade e interpretação. Aos 25 anos, não perde chances na vida, no caso dela, na dança.

À moda do que declarou Márcia Haydée certa vez, o medo não a paralisa nos momentos decisivos. Se é preciso dar piruetas, ela dá. Se a sequência é rápida, ela finaliza aproveitando a música. Ela resolve e, acima de tudo, dança.

Ao lado de Ed Louzard em Legend (1972), de John Cranko.
Foto: Willian Aguiar

Não por acaso foi a escolhida para ser partner de Marcelo Gomes, em Tchaikovsky pas de deux (1960), de George Balanchine, convidado especial nas apresentações da São Paulo Companhia de Dança, no Teatro Alfa, nos dias 26 e 27, próxima sexta e sábado. Ela integra a São Paulo desde 2008, ano de sua fundação. “É muito fácil dançar com a Paula, ela faz tudo”, diz Marcelo Gomes. “Ela tem uma coisa muito legal que é conectar os passos e dançar”, completa.

Uma das diretoras da Companhia, Inês Bogéa, diz que uma das características da bailarina é usar toda a frase musical. Paula concorda. “Eu gosto de usar a frase até o fim porque, se não, corta o movimento”, diz.

Sobre o novo partner, ela brinca: “É muito fácil dançar com ele, eu nem fico cansada”. Ela se refere à percepção dele de não descuidar da parceria. “Eu nem percebo que, às vezes, não estava no eixo.” Eles criaram uma dinâmica para dançar nos poucos dias de ensaio juntos.

Na sua preparação para este balé, ela conta que, sua tendência, é ser suave. Procurou, nas suas palavras, ser “mais seca e dinâmica para ter mais ataque”.

Não é seu primeiro papel de destaque, já fez o pas de deux principal de Theme and Variations (1946), também de George Balanchine, e Legend (1972), de John Cranko. Aproveita as chances, sempre é possível contar com ela e usa a inteligência para superar fragilidades.

Claro que Marcelo Gomes é uma grande estrela. Mas, se for ao Teatro Alfa, fique de olho nela também. É uma grande artista.

Sem derrapar nas difíceis sequências de Theme and Variations, de Balanchine.
Foto: João Caldas | divulgação

Dança em família

2011-08-20T17:21:00.001-03:00

Por Flávia Fontes Oliveira

Guivalde de Almeida | Foto: divulgação

A Especial Academia de Ballet comemora, neste fim de semana, seus 40 anos, com uma apresentação reunindo antigos e novos bailarinos, no Theatro São Pedro (serviço abaixo), em São Paulo. À frente da escola paulistana hoje está Guivalde Almeida, 40, filho de Aracy de Almeida, quem começou toda a história. Ela ensina dança há quase 50 anos e, apesar de hoje ter deixado a escola por conta do filho, não parou e cuida do Studio Aracy de Almeida, na Praia Grande, litoral de São Paulo.

Em São Paulo, depois de a família vender o prédio de três andares no Tatuapé, onde funcionava a Especial, e ter tentando alguns anos se estabelecer no bairro vizinho da Mooca, este ano voltaram ao primeiro bairro. “O público é daqui do bairro”, diz Guivalde.

A mãe influenciou os caminhos do filho que, nas suas palavras, não consegue “nem dizer o que pesou na decisão”. É o único dos três filhos a seguir os passos da mãe, de quem recebeu sua formação. Sua escola ainda recebe estudantes de dança do Brasil inteiro em busca “da boa base” da escola.

Na entrevista a seguir, que faz parte da série de formadores no Brasil, ele nos conta a importância da informação, da preparação do professor e que o conhecimento, transmitido de corpo para corpo, ainda é fundamental na dança.

Alunos em Joinville
Foto: Espetaculum | Alceu Bett

A escola ainda tem alunos de vários lugares?

Tem sim. Aqui tem o metrô que é mais perto (metrô Carrão), é mais fácil de chegar. Mas, hoje, acho que mudou muito. Quando comecei, as pessoas saíam mais para fazer aulas em outras escolas. Agora tem a comodidade de querer fazer balé perto de casa.

Por outro lado, ainda temos aqui na escola gente do Brasil inteiro: Pará, Mato Grosso, Rio de Janeiro, Bahia, interior de São Paulo, Minas Gerais.

Você é administrador e dá aulas?

Agora eu tenho uma sócia que cuida da parte administrativa. Eu dou aulas.

O que você destaca no papel que a escola vem desempenhando há 40 anos?

A dança, para mim, é muito visual. Eu dou aulas aqui e em outras escolas e sou o mesmo professor. Mas, na escola, sinto que os alunos vêem uns aos outros e, como já passaram excelentes bailarinos por aqui, os mais novos se espelham neles.

Vamos fazer 40 anos e os bailarinos que dançaram conosco estão sempre em contato com a escola e o aluno novo vai criando um patamar de observação, que vai subindo. Eu e minha equipe colocamos uma grande carga de responsabilidade nos alunos que não é todo mundo que agüenta. Mas tentamos mostrar aos alunos que é feito um trabalho muito sério.

Eu costumo falar, quando pais vêm me perguntar, que aqui é uma escola, não damos talento a ninguém, trabalhamos com vários corpos, várias cabeças, formas de pensar. O que podemos dar é formação e o aluno vai ter uma boa base para que ele, se quiser, um dia abrir uma escola ou ser um ensaiador ou atuar em outras áreas porque realmente oferecemos um trabalho de base forte.

Neste trabalho de base oferecido aqui claro que surgiram pessoas extremamente talentosas, que estão dançando por aí. O importante é ter essa responsabilidade, fazer o melhor, não fazer por dinheiro (claro que precisamos sobreviver), mas tem de buscar qualidade, não adianta.

Na sua opinião, ainda existe um determinado tipo físico para a dança?

Quando o balé clássico foi criado, era totalmente voltado a determinado tipo de físico, para determinadas pessoas. A escola de balé foi criada para o rei e fazia balé quem o rei deixasse. Quando surgiram as primeiras escolas pagas, aconteceu uma mudança de mentalidade. As escolas de metodologia, elas foram baseadas em determinados físicos: pessoa precisava ter en dehors, bacia aberta, visualmente com pernas longas, curvatura do pé acentuada, tanto homem quanto mulher, para conseguir uma linha bonita. O mundo foi mudando e as pessoas que não tinham nada disso começaram a fazer balé. O próprio ser humano foi achando um caminho diferente para o balé. Fora do Brasil, nessas grandes escolas, Cuba, Ópera de Paris, Rússia, eles têm o hábito de trabalhar com este determinado físico. Eu acho que o professor brasileiro sai na frente porque precisa trabalhar com vários tipos de corpo. Por exemplo, se eu trago um professor da Ópera de Paris para preparar alguns alunos meus, ele terá dificuldades. Como trabalhar uma pessoa que não é en dehors, que não tem perna alta?

Como é ser professor hoje?

Para mim, hoje é inaceitável um professor não buscar informação. Se a pessoa não aprende balé direito, ela pode ter sérios problemas físicos. Antigamente você até conseguia enganar o seu aluno, hoje não dá. Claro que sempre vou fazer o que eu acredito que seja o melhor. Eu sou professor, é o meu trabalho. Mas eu sinto na aula que os alunos me cobram, pelo menos aqui na escola. Eles fazem três aulas por dia, clássico, contemporâneo, pas de deux, ensaiam, tomam bronca o dia inteiro. Se você está na sala de aula, eles estão exigindo, exigindo. O professor tem que estar ligado em tudo, tem que estar 100% com seu trabalho.

Aluna da Especial | Foto: divulgação

Com tanta informação disponível, o que o professor ensina?

O balé não é fazer, mas como fazer. Eu não fui bailarino profissional na minha carreira, estudei balé, mas eu achava e minha mãe também que não tinha talento para seguir carreira. Eu me especializei em dar aula.

Eu faço montagens de balé hoje e, se eu não tivesse vivido na pele, ouvido o ensaiador falar, visto pessoas fazerem do meu lado, eu não teria capacidade de fazer. O importante é saber o que você está dançando, qual a história que está dançando, o que você está querendo me dizer. Porque o balé clássico não é uma arte só física. Um bom bailarino transcende o que ele faz.

Se o coreógrafo ou o professor não passar ao aluno o que tem a dizer ou o que quer dizer com isso, vai ser uma coisa chata. Se ele não sabe o que está fazendo com aquilo, não é natural.

Por exemplo, Giselle tem uma história. Não adianta, a bailarina fazer sautée na ponta, fazer um penché lindo e não expressar nada. Se você sentar uma hora e meia em um teatro para assistir a Giselle e os bailarinos não saberem o que estão fazendo ali, é muito chato.

Com tanta informação, muitos bailarinos já sabem as coreografias, mas ter informação é uma coisa e como a pessoa usa isso para ser um bailarino, é outra. Todos precisam de uma direção para orientar a carreira.

Antigamente, por exemplo, muito se falava em Margot Fontain, mas poucos a tinham visto dançar, as grandes estrelas eram pessoas muito distantes da nossa realidade. Hoje todos sabem quem é Makarova, Para mim, existe um lado ruim, as pessoas acabam banalizando a informação.

E o papel do professor?

Nós temos um papel muito difícil, o professor vende um sonho. Como posso falar para o aluno: entra no balé que você vai ser bailarino(a)? As pessoas nem imaginam como é nosso mundo.

Tem criança que, quando é pequena, é uma graça, de repente, ela vai ficando grande, vai ficando feia, não sobe na ponta mais. E tem criança que você não dá nada e vai se desenvolvendo de uma forma linda.

Para mim, a dança está 90% na cabeça. Claro que você tem que ter uma mínima proporção física para dançar, a mínima estética para entrar em um palco. Mas a cabeça muda até o seu corpo porque a pessoa trabalha de uma forma que sempre vai saber mostrar o que tem de bonito.

Às vezes a pessoa tem um físico lindo, tudo lindo, mas a cabeça não funciona e ela nunca vence. Claro que o físico é importante, mas o bailarino de cabeça boa chega longe, tem mais resultados do que outros dentro de uma companhia. O professor, diretor coreógrafo sempre vai preferir trabalhar com alguém que dê retorno a ele.

O que você gosta de uma sala de aula?

Eu gosto de trabalhar com gente que está interessada em aprender. Mas o que gosto de trabalhar em sala de aula é a parte de cima do corpo, o tronco. Acho que o bailarino tem que ter braços lindos. Eu valorizo muito o aluno que sabe se movimentar, que usa a lateralidade do corpo, que usa os braços de forma bonita, não faz apenas os passos, tripla pirueta, grandes saltos. É importante porque a técnica um dia falha, mas, se você é um bailarino bem preparado na forma de dançar, na forma de se movimentar no espaço, você sempre vai dançar bem.

O que te emociona?

O que eu queria era um dia sentar em teatro e não saber nada de dança, queria só sentir o que as pessoas sentem, elas não ficam vendo se o pé está “solto”, se não está rodando. Quando consigo me sentar e me desvencilhar de tudo que eu fico olhando, o balé em cena me emociona. Também me emociona bailarino que dança com a alma.

E na sala de aula, o que te emociona?

Quando você consegue atingir seu objetivo. O trabalho de dança traz resultado a longo prazo. Para a geração de hoje, tudo é muito fácil: quando a escola pede um trabalho, o aluno entra na internet e está praticamente pronto. Mas na arte, em geral, tudo é a longo prazo. Se alguém quer ser um bom pianista, não dá para fazer oito anos de aula e achar que é bom pianista. Um problema aqui na Escola, e acho que mundial, é que as pessoas acham que fizeram um ano de balé e já sabem. O professor olha para a pessoa e sabe que ela não está nem engatinhando no balé. Por isso, o que me emociona na sala de aula é que depois de muito trabalho, você vê resultado.

Aqui na escola temos pré-profissionais, ainda não temos profissionais, e é muito legal trabalhar com essa faixa porque você vê a mudança deles. , é muito bom, compensador.

Qual a preparação do bailarino na escola?

Depende do nível. Os níveis mais avançados, depois do sexto ano, fazem aulas diárias. O avançado tem duas aulas de balé por dia, fazem aulas de contemporâneo duas vezes por semana, aula de ponta uma vez por semana, adágio, pas de deux e aula de variação clássica (repertório). É um trabalho grande, de muita dedicação, são pelo menos 4 horas por dia.

Você dá aulas para todos os níveis?

Por incrível que pareça, eu acho muito difícil ensinar o passo. Têm pessoas especializadas para isso. Se em uma aula você faz um assemblé, uma criança de nove anos vai te copiar. Eu mostro e a criança copia, mas o professor para esta idade tem que ser especializado em ensinar, como faz, empurra o pé no chão, tem exercícios preparatórios para você fazer determinados exercícios. Para dar aula para crianças, você precisa ser especializado nisso. Isso é muito importante porque o bailarino não chega no nível adiantado cheio de vício, porque o bailarino com vício é pior do eu o que não sabe nada.

Como você foi parar na dança?

Pela família. Eu sou o único dos três filhos que seguiu a carreira. Desde que me conheço por gente, estou em uma sala de aula. Não sei nem falar o que pesou na minha decisão. Sempre acompanhei minha mãe. Eu me lembro que, com nove anos, via todos os balés que passavam pela cidade.

Comecei a fazer aula com mais ou menos 10 anos. Não segui carreira de bailarino porque para os padrões atuais, eu era baixo e ia encontrar muitas dificuldades. Minha mãe me desencorajou, não sei se foi bom ou ruim. Mas logo comecei a gostar de corrigir, eu sempre gostei de estudar. Minha vida é balé, é dança, o tempo todo é livro, DVD. Se estou escutando música, estou pensando em balé, pensando em espetáculo, produção.

Remontagens | Foto: divulgação

Vocês se dão bem em sala de aula?

Ela sempre foi muito exigente e acho que estou mais bravo agora. Ela é muito humana. Tem coisas que ela entende e eu não quero entender ainda (risos). Mas somos mãe e filho. Em sala de aula, eu falo mãe. “Oh, mãe” (risos).

Aqui você segue algum método?

O método que eu dou aprendi com minha mãe. O método que minha mãe aprendeu é uma junção métodos, entre eles, Cechetti (italiano) e Vaganova (russo).

Aqui na escola, vivemos em discussão dos passos. Nossa escola não faz o método Royal, mas preparamos os bailarinos para os exames. Ele tem um lado bom, ele limpa muito o aluno, ele obriga que determinados exercícios sejam muito bem feitos. Eu não concordo com muitas coisas, mas tem este lado.

Temos também muito contato com a escola cubada porque fomos a primeira escola brasileira a fazer intercâmbio. Eu aprendi muito com ela também.

Serviço: Theatro São Pedro - Rua Barra Funda. 171. Dias 20 e 21 de agosto, às 20h30.

Informações: 11 3667-0499

Ingressos: 4003-1212 www.ingressorapido.com.br

As Bruxas de Eastwick estreia em SP

2011-08-12T14:56:00.004-03:00

Por Marcela Benvegnu

Eles prometem inteligência, assim como foi a montagem do musical My Fair Lady no Brasil. Prometem coreografias vibrantes, talvez esse seja o caso da versão de Cats por aqui. Também incluem no pacote músicas boas, sim o recente New York, New York trouxe isso aos palcos. Também prometem um voo das protagonistas sobre a plateia. Uau! Já estamos na Broadway com o musical mais caro da história: O Homem Aranha. Em musicais, novidades são realmente difíceis, porém, a expectativa para a estreia de As Bruxas de Eastwick, no domingo, dia 14, no Teatro Bradesco (Bourbon Shopping), é grande.


Clara Gueiros e Eduardo Galvão: protagonistas (foto: Divulgação)

Finalmente o mercado dos musicais está aquecido no Brasil. Sai um, entra outro, produz outro, faz audição para outro. Vem aí Cabaret (estrelado por Claudia Raia), A Família Addams (no papel de Mortícia, Marisa Orth), Priscilla – A Rainha do Deserto, que ainda está em processo de audição, Hair... Os artistas, cada vez mais múltiplos e versáteis, estão tendo onde e como trabalhar para poder falar que vivem de arte, dança, canto, atuação. Se faz musical (e bons musicais) no Brasil.

As Bruxas de Eastwick, adaptação do filme homônimo (1987), baseado no livro de John Updike (1984), já foi montado na Inglaterra, Estados Unidos, Austrália, Rússia e República Tcheca. Com letras de John Dempsey, música de Dana P. Rowe e coreografias de Alonso Barros (brasileiro radicado em Viena), a versão brasileira é assinada pelo renomados Cláudio Botelho e Charles Möeller. A dupla, que ganhou livro biográfico - Os Reis dos Musicais (Tânia Carvalho, Imprensa Oficial) – já esteve à frente de outras importantes montagens de musicais no Brasil - Sweet Charity, A Noviça Rebelde e Avenida Q.

As Bruxas conta a história das amigas Alexandra (Maria Clara Gueiros), Jane (Sabrina Korgut) e Sukie (Renata Ricci). Entediadas e frustradas com a pacata rotina da cidade de Eastwick elas dividem o desejo pelo homem que consideram ideal e vêem suas esperanças renovadas com a chegada à cidade do misterioso Darryl Van Horne (Eduardo Galvão). Extremamente sedutor, ele se envolve com as três e desperta em cada uma a necessidade de liberar os “poderes” que tem dentro de si. O comportamento nada ortodoxo do quarteto escandaliza a cidade. Os poderes e eventos que desencadeiam são cada vez mais sinistros e fora de controle. Quando Alexandra, Jane e Sukie percebem que a influência de Darryl corrompe a todos que com ele tem contato, resolvem usar aquilo que aprenderam (com ele) para exterminá-lo de suas vidas.

Segundo Botelho, “é um espetáculo completamente novo e diferente de qualquer montagem anterior feita pelo mundo”. “Além da direção totalmente nova, 15 cenários de grandes dimensões e 250 figurinos foram criados especialmente para a produção brasileira. Fizemos adaptações no texto e nas músicas. Esta última versão da peça tem canções que não foram usadas nas montagens internacionais” completa.

A crítica sobre o espetáculo deve ser publicada aqui, na Revista de Dança, na semana que vem.

PARA VER - As Bruxas de Eastwick (Teatro Bradesco - Bourbon Shopping São Paulo - Rua Turiassú, 2100, 3º piso, Pompéia). Estreia dia 14 de agosto até 11 de dezembro. | Quinta e sexta, 21h. Sábado 17h e 21h e domingo 16h e 21h. |Ingressos custam de R$ 10 a R$ 180. www.ticketsforfun.com.br

Deus está nos detalhes

2011-08-09T18:28:00.001-03:00

Por Flávia Fontes Oliveira

Marcelo Gomes em aula na SPCD.
Foto: Divulgação | SPCD

Em uma só sequência de saltos, ele mostra a que veio. Para a dança, o manége é um do tour de force masculino presente em muitas variações. Grosso modo, são os saltos ao redor do palco que os homens dão. Força, impulso, leveza, flexibilidade, a combinação esperada, quase vulgar (no sentido de comum), mas de difícil equação, por vezes, ímpar.

Marcelo Gomes, bailarino entre os principais do American Ballet Theatre, brasileiro de Manaus, ensaia no Brasil para duas apresentações com a São Paulo Companhia de Dança, no Teatro Alfa, na temporada de 26 a 28 de agosto, o balé de 1960 de George Balanchine, Tchaikovsky pas de deux. Para além da precisão, chama atenção a matemática do corpo, a inteligência específica da dança, o detalhe do braço, um salto mais alto, a suavidade nas realizações difíceis.

Ele também é gentil. Pergunta à parceira, também linda bailarina Paula Penachio (aguardem um perfil), como pode ajudá-la, propõe soluções aos dois. Ele respondeu três perguntas à Revista de Dança, em primeira mão.

Com Paloma Herrera em O lago dos cisnes.

Depois ser reconhecido no mundo como grande bailarino e partner, o que te faz vibrar no palco?

Marcelo Gomes: São várias coisas emocionantes para mim no palco. Não só todo trabalho que de ensaios, de suor, de emoções você que vive no estúdio, o tempo que dedica para colocar um balé, uma coreografia no palco até o aplauso e reconhecimento do público. Isto faz com que o artista continue. O aplauso alimenta a alma ainda para mim. Além disso tudo, eu gosto muito de contar uma história, isso para mim ainda me faz querer estar no palco sempre.

Mesmo que a história se repita?

Marcelo Gomes: Agora nunca é a mesma história. Tentamos tirar um pouco daqui, colocar um pouco lá. O que vai me inspirar desta vez que faço O lago dos cisnes ou Tchaikovsky pas de deux? Tentamos ser o mais espontâneo possível.

Qual é seu grande papel?

Marcelo Gomes: Desde pequeno, vejo vídeos de Giselle (1841, coreografia de Jean Coralli e Jules Perrot). Quando fiz o príncipe Albretch, foi um momento especial na minha vida, por ser um papel que sempre quis fazer e, no palco, quando o fiz pela primeira vez, não acreditava. Minha mente saiu do meu corpo e me vi ali sentado. É um papel que gosto muito de fazer e já está diferente da primeira vez que fiz.

Telas em movimento: Vila Tarsila com a Cia. Druw

2011-08-06T20:30:00.001-03:00

Por Marcela Benvegnu

Vila Tarsila com a Cia. Druw | Crédito: Divulgação

O final de semana de (e na) dança em São Paulo tem opções para todos os gostos e idades. O Grupo Corpo está em cartaz no Teatro Alfa com a estreia de Sem Mim, de Rodrigo Pederneiras, e a Cia. de Dança de Diadema também estreia Paranóia, de Ana Botosso e elenco, no Sesc Vila Mariana. Enquanto isso, o Teatro Vivo recebe a partir de hoje, Vila Tarsila, espetáculo de dança contemporânea infanto-juvenil da Cia Druw, com concepção de Miriam Druwe e Cristiane Paoli Quito.

A coreografia, assinada por Miriam, tem como mote as memórias de infância da pintora Tarsila do Amaral e remonta sua trajetória criativa, desde suas primeiras impressões sobre cores e formas até as origens dos elementos que influenciaram diretamente sua criação artística. A coreografia transporta o espectador ao mundo antropofágico da artista, demonstrando que sua obra nasceu das experiências visuais das inúmeras viagens realizadas e das brincadeiras na fazenda onde vivia em Capivari, interior de São Paulo.

A diretoras buscaram referências em algumas telas da pintora modernista para inspirar os seis bailarinos/intérpretes-criadores e a atriz Luciana Paes. “Depois de Lúdico (espetáculo anterior de dança infanto-juvenil inspirado nas obras do pintor russo Wassily Kandinsky), tivemos a ideia de pesquisar um pintor brasileiro, daí surgiu o nome da Tarsila do Amaral. Não tenho uma fórmula para coreografar para crianças, apenas tenho o desejo de explorar essa junção de linguagens. Adoro o que faço, é uma necessidade, acho que por isso que tem dado certo, pois o impulso é movido pela vontade de se cumprir um caminho. Sei que tenho que criar para crianças, elas me curam, é retorno sincero, energia que flui. É muito instigante”, fala Miriam.

Segundo Miriam, produzir para crianças é um espaço a mais que se abre na Cia Druw. “Paralelamente ao trabalho de bailarina e coreógrafa, sempre estive envolvida em projetos ligados à criança. Durante 15 anos, fui voluntária coordenando um projeto de dança em Interlagos. Foi um período muito especial da minha vida” ressalta a coreógrafa, que também tem um projeto para o público adulto . “Sinto que minha pesquisa sobre Van Gogh tem muitos subterrâneos a serem explorados. É sombra e luz o tempo todo em pinceladas alternadas. O elenco está muito envolvido, estudando muito”, diz.

Em Vila Tarsila, os cenários e figurinos são de Marco Lima e a trilha sonora original de Natália Mallo foi inspirada na obra de Villa-Lobos.

Paralelamente às criações, Miriam foi convidada, no ano passado, para dirigir o primeiro Corpo Estável de Dança do Teatro Municipal de Jundiaí. “O contrato é por um ano e faremos uma produção para 18 de dezembro, aniversário de 100 anos do Teatro Polytheama. Este projeto foi idealizado pelo ex-diretor do Teatro Municipal Wagner Nacaratto, que propôs o projeto dos Corpos Estáveis de teatro, dança e orquestra. Um importante acontecimento para a cidade. As inscrições foram feitas por um edital no final de 2010 e foram contratados sete bailarinos e dois estagiários que recebem salário pela prefeitura.”

ELA – Miriam Druwe tem uma trajetória extensa na dança brasileira. Premiada pela APCA (Associação Paulista de Críticos de Arte) como melhor bailarina em 1993, dançou profisionalmente no Balé da Cidade de São Paulo e na Cisne Negro Cia de Dança. Já trabalhou ao lado de grandes ícones como Luis Arrieta, Ana Mondini, Vitor Navarro, Vasco Wellemcamp, Gigi Caciulenou, Ismael Guiser, Sacha Svertlof e outros.

PARA VER – Vila Tarsila, com a Cia. Druw. De hoje a 28 de agosto e dias 3 e 4 de setembro. Sábados, às 16h e domingos, às 15h, no Espaço Cultural Vivo (avenida Dr. Chucri Zaidan, 860 | Morumbi). Entrada gratuita. Mais informações: (11) 7420-1520

O mar sem fim do Grupo Corpo

2011-08-03T13:24:00.000-03:00

Por Flávia Fontes Oliveira

Sem mim, novo trabalho do Grupo Corpo
Fotos: José Luiz Pederneiras

Em Sem mim, o Grupo Corpo renova seu compromisso de um modo de ver e fazer dança. A coreografia é um passo, não uma ruptura declarada, ou, antes, uma onda, para usar a inspiração desta nova criação de Rodrigo Pederneiras, o mar, com cenografia e iluminação de Paulo Pederneiras e figurinos de Freusa Zechmeister, com estreia para amanhã, dia 4, em São Paulo, no Teatro Alfa, com apresentações até 14 de agosto, e depois segue turnê nacional (veja serviço abaixo).

Os tradicionais e belos pas de deux
de Rodrigo Pederneiras

Já tradição nos trabalhos da companhia, a música serviu de guia. Neste caso, a ideia veio das sete canções do Ciclo do Mar de Vigo, de Martín Codax, do século XIII – testamento e sobreviventes da tradição da região na época, o trovadorismo nas chamadas “canções de amigo”. A partir deste conjunto de canções que chegou aos nossos dias, José Miguel Wisnik e o Carlos Núñez, ele também de Vigo, assinam a trilha original, com vozes de Milton Nascimento, Chico Buarque, Mônica Salmaso, Ná Ozzetti, Rita Ribeiro e Jussara Silveira, além do próprio Wisnik.

Nestas cantigas de amigo, Codax fala em nome de jovens apaixonadas que choram a ausência do amor ou celebram o possível regresso do amado. Confidenciam-se e banham-se nas ondas do mar. Desta lírica, Rodrigo Pederneiras trouxe para seus movimentos referências do mar, entre sua calmaria e fúria, no vaivém das ondas, traduzidos, por vezes, em elementos femininos e masculinos.

Desde que imprimiu sua marca, privilegiando um corpo e um movimentar brasileiros – brincando com o balanço dos quadris quase despudoradamente sem rechaçar a finura clássica –, o Grupo não dispersou, com todas as suas implicações. Com isso e por isso, continua ajudando a sustentar a dança brasileira.

É uma grande história e, sem qualquer dúvida do acabamento dos espetáculos, vale a pena assistir ao que o Grupo Corpo tem a dizer.

A coreografia tem trilha de José Miguel Wisnik e Carlos Núñez

Serviço:

São Paulo | Teatro Alfa, de 4 a 7 e 10 e 14 de agosto

Belo Horizonte | Palácio das Artes, de 17 a 21 de agosto

Rio de Janeiro | Theatro Municipal, de 25 a 29 de agosto

Brasília | Teatro Nacional, Sala Villa-Lobos, de 10 a 13 de novembro

Imagens que dançam: Roseli Rodrigues – Poesia em Movimento

2011-07-27T00:08:00.003-03:00

Por Marcela Benvegnu

Fiz contagem regressiva para dia 27 de julho. Nunca pensei em fazer um filme. Achei que fosse lançar um livro antes. Engano meu. A vida nos leva para outras, diferentes, deliciosas e desafiadoras coreografias. Daqui algumas horas, no Festival de Dança de Joinville, na Feira da Sapatilha, às 17h30, lanço em parceria com a Inês Bogéa, o documentário Roseli Rodrigues – Poesia em Movimento.

O filme de 24 minutos aborda de forma clara e poética a trajetória coreográfica de Roseli Rodrigues, um dos maiores nomes do jazz dance no Brasil, e conta com depoimentos de Edy Wilson, Andrea Spósito, Isabella Rodrigues, Kika Sampaio, Fabio Namatame, Maurício Pina, Luis Arrieta, Edson Claro, Ely Diniz, Carlota Portella e meu.

É um trabalho coletivo de artistas. O Festival de Joinville é o patrocinador do projeto e a Só Dança assina o copatrocínio. Todos acreditaram e se mobilizaram para compor essa coreografia de imagens e memórias. A concepção é minha e da Inês, mas o filme pertence a todos. Como ela diz, “a autoria está no olhar, na edição das falas, imagens, sensações e desejos”. O vídeo – que tem legendas em inglês - será distribuído gratuitamente para escolas, universidades, ONGs e bibliotecas no Brasil e tem uma particularidade interessante, o formato: um livreto que contém o documentário. O texto contextualiza a história de Roseli que é contada por muitas vozes no vídeo e ambos dialogam todo o tempo para que todos possam dançar com as palavras e imagens.

EXPECTATIVA - Muitas pessoas estavam me cobrando aqui no blog, depois de um hiato de sumiço, viagens internacionais e muitos espetáculos da São Paulo Companhia de Dança, um texto sobre o filme, principalmente a Flávia Fontes, minha sócia na Revista de Dança. Algo que apresentasse um pouco do documentário, mas que também falasse o que eu estou sentindo. Ansiedade? Medo? O coração pulsando na boca? Expectativa? Não consigo definir.

Pensei num texto (em vários), caso eu tenha que falar alguma coisa durante o lançamento, porém, não tenho mais ideia de como ele começa. Fico imaginando como vai ser, quem vai estar, se vai dar tempo de todos chegarem. O que será que Roseli Rodrigues diria sobre isso e como aqueles olhos azuis reagiriam em ver sua história contada pelo olhar de outras pessoas em 24 minutos?

Respondendo uma entrevista para o próprio Festival de Dança sobre o documentário essa semana, me dei conta de que não encarei sua morte. Talvez eu não encare. Ela ainda está viva no meu corpo, no corpo de quem passou pelas salas de aula em que ela estava à frente, nas suas coreografias. Está viva no jazz que fazemos. Então como encarar a morte?

IDENTIDADE - Esse projeto nasceu de uma conversa, minha e da Inês, sobre a importância do jazz e sobre as personalidades da dança que transitam nesse gênero. Me questionavam quando eu iria publicar a minha pesquisa sobre o estilo, e quando a Inês iria fazer um documentário sobre a Roseli. Três meses depois juntamos as vontades. Em junho de 2010 formatamos o projeto e começamos a pensar em mecanismos para conseguir patrocínio. Em julho apresentamos a ideia ao Raça, em agosto enviamos a proposta para o Festival de Dança de Joinville e para a Só Dança.

Inês e eu doamos o nosso trabalho e tivemos parceiros excepcionais, como a Associção Pró-Dança e a ARN, caso contrário, não seria possível realizá-lo. Fizemos as gravações dos depoentes em dezembro e esse foi um dos momentos mais especiais, pois foi um reencontro com a história da Roseli de outros modos, no olhar de outras pessoas, de outras vozes que também ajudaram a construir a história do Raça e do jazz. Em janeiro de 2011, começamos o processo de edição, escrevi o texto do livreto e juntas escolhemos as fotos, enviamos para revisão, diagramação e tradução. Finalizamos em abril.

Trabalho com a Inês diariamente há quase dois anos e não tem um dia que ela não me ensine algo novo. Temos uma parceria forte, de trabalho, de respeito, de amizade. Encaramos a dança do mesmo modo e acreditamos que seja preciso registrar a memória para que possamos olhar para a história da dança do Brasil. Nesse documentário a levei para o mundo do jazz e ela me levou para o mundo do vídeo.

Nas palavras dela, o documentário “é um presente da dança para a dança”. Eu concordo, mas, para mim, também é a certeza de que o estilo que eu escolhi para dançar e estudar tem caminhos que jamais pensei em desvendar e que precisa ser registrado.

O nosso jazz também se dança de outros modos. Está tela. A gente sente na alma. Se mostra vivo. Me faz ver e entender a minha dança, seja ela no texto, na fala ou no movimento. É também o meu espelho. Que chegue logo 17h30 e essa dança com a voz da Roseli, seus cabelos vermelhos e olhos azuis, se espalhe, para que todos sintam o poema em movimento.

Sapateado em boa companhia

2011-07-26T12:01:00.001-03:00

Por Flávia Fontes Oliveira

Chris Matallo, multiartista
Foto: divulgação

Christiane Matallo é artista múltipla. Além de sapateadora, é musicista e canta muito bem. Participou recentemente do musical New York, New York e agora, de Joinville, onde é jurada do Festival de Dança, conta um pouco sobre encontros e o crescimento do sapateado.

Para você, o sapateado tem crescido nos últimos anos?

O sapateado cresceu tanto em quantidade de pessoas que querem aprender este gênero quanto o crescimento técnico e artístico. Sinto que muitos sapateadores estão em busca de mais conhecimento. Mas me preocupa também as novas gerações que querem resultados imediatos, tudo leva tempo, especialmente para encontrar seu próprio estilo e para adquirir maturidade artística.

O que é importante destacar em um Festival de Dança?
O mais importante e o intercâmbio. A troca entre professores, alunos, interpretes, plateia, espectadores. Joinville mudou muito em relação aos anos iniciais. Antigamente víamos o festival como uma grande competição. Com o tempo, ele trilhou um caminho e tomou um corpo de um grande mundo da dança, onde há oficinas, mostras paralelas, os palcos abertos. Na própria noite competitiva, hoje, o jurado é um grande mediador, que no dia seguinte troca idéia com os representantes das obras coreográficas para que os artistas realmente saiam mais amadurecidos.

Um olhar para jovens bailarinos

2011-07-22T19:42:00.000-03:00

Por Flávia Fontes Oliveira

Coreógrafa Daniela Cardim é jurada em Joinville.
Foto: Angela Sterling

Há um grande número de pessoas envolvidas nas escolhas de um festival. A Revista de Dança, para acompanhar o Festival de Joinville, entrevistou alguns dos jurados para saber qual é o olhar deles sobre os bailarinos.

A primeira entrevistada é Daniela Cardim, talentosa bailarina e coreógrafa brasileira. Atualmente, ele vive em Londres e cursa a faculdade de Arts Management. Dançou por cerca de dez anos no Het Nationale Ballet, na Holanda. No Brasil, em 2009, coreografou Passanoite, para a São Paulo Companhia de Dança. Recentemente fez um trabalho para o workshop coreográfico do English National Ballet, a convite do diretor Wayne Eagling. Em setembro, também fará algo para a Ópera de Amsterdam.

Em Joinville, ela participa do júri de Balé Clássico e também está na comissão responsável por assistir ao Festival inteiro e premiar o melhor bailarino, bailarina, grupo, coreógrafo e revelação.

Ela conta neste início que “o Festival já está fervendo”. A seguir, conheça mais um pouco sobre o que ela pensa e enxerga na dança.

Para você, o que é importante observar em um festival?

Para mim, o Festival de Dança de Joinville é uma vitrine para observar a Dança em todo o Brasil. Como estou há muitos anos fora, quando vim ao Festival ano passado, fiquei feliz em observar que o nível da dança brasileira se elevou e não está atrás de outros países da Europa. Claro, há diversos níveis, mas os vencedores do Festival estão com um nível internacional.

O Festival também é uma oportunidade única de trocar ideias com profissionais de outros estados e outras áreas de dança que admiro, mas conheço menos, como danças populares e danças urbanas.

O que você olha em um bailarino?

Observo em um bailarino a técnica e o físico, mas também a sua capacidade de interpretar a obra e acrescentar um algo a mais à coreografia. Esse fator é' o diferencial, pois técnica e físico são exigências concretas do balé clássico, mas a interpretação, o carisma e a inteligência no movimento dão ao bailarino a possibilidade de se destacar e diferenciar.

Fino diálogo

2011-07-15T22:18:00.001-03:00

Por Flávia Fontes Oliveira

Victor Gastão Vila Nova em cena de Nos Outros, de Lara Pinheiro
Foto: Camila Ribeiro (facebook)

Há bailarinos que nos conduzem pelas coreografias mostrando o fino diálogo entre criador e intérprete. Victor Hugo Gastão Vila Nova fez desta união um ponto alto em Nos outros (veja a crítica em breve), da diretora Lara Pinheiro, na nova estreia do Balé da Cidade de São Paulo, no Teatro Municipal de São Paulo, dia 7 de julho.

Seu solo inicial apresenta e sela a cadência de toda coreografia, em uma combinação de clareza e suavidade – no sentido de jamais um gesto escapar com rigidez. Por seu desenhar a cena, desvendamos a coreografia. Depois, impossível desviar os olhos quando ele está no palco.

Encontros da dança

2011-07-12T15:12:00.001-03:00

Por Flávia Fontes Oliveira

Ely Diniz, presidente do Instituto Festival
Dança | Foto: dvulgação

Um lugar de encontro, acima de tudo. Para muitos professores, bailarinos, coreógrafos e estudantes o Festival de Joinville se apresenta desta forma para tratar do assunto comum a todos, a dança – e ela é vista e revista de diversas formas. Este ano em sua 29ª edição, que acontece de 20 a 30 de julho, o evento espera receber cerca de seis mil bailarinos (entre competidores, cursistas, professores, coreógrafos, etc) e um público estimado em mais de 300 mil pessoas. Números superlativos para a dança. Em meio à festa e competições, o festival abriu espaço para mostras, cursos, lançamentos e seminários.

O evento ganhou projeção e fama com os bailarinos que se apresentaram e competiram por lá. Aos poucos, foi conquistando espaço e criando uma aura para jovens estudantes. Último exemplo, Mayara Magri (veja matéria aqui), vencedora do Prix de Lausanne, na Suíça, este ano, passou primeiro por lá, foi medalha de ouro ano passado. O grande centro de eventos Cau Hansen recebe os bailarinos em oito noites de competição: balé clássico de repertório, balé clássico, dança contemporânea, sapateado, jazz, danças urbanas e danças populares.

Ely Diniz da Silva Filho, presidente do Instituto Festival de Dança, entidade responsável pela execução do Festival de Dança de Joinville, falou com a Revista de Dança sobre a importância e os desdobramentos do evento.

Na sua opinião, qual o grande mérito do Festival?

Ely Diniz: Sem dúvida são: a pluralidade, o foco didático e o fato de ter se tornado uma grande vitrine para talentos de todos os gêneros e novas companhias.

O Festival deve reunir cerca de seis mil bailainos | Foto: divulgação

No próximo ano, o festival completa 30 anos, para o senhor, como o festival tem amadurecido?

Ely Diniz: O amadurecimento tem se dado pela atuação do Conselho Artístico (este ano os conselheiros são: Fernanda Chamma, João Wlamir, Ana Vitória, Andréa Bardawill Campos), que se renova anualmente e traz contribuições que impulsionam o Festival a se renovar, se atualizar e a estar antenado com a dança mundial. Outro ponto é a sua estabilidade financeira, com apoio de grandes empresas e leis de incentivo, na dependendo de verbas de orçamento, principalmente, da Prefeitura. Essa característica dá ao evento estabilidade e o deixa, de certa forma, alheio às mudanças políticas que poderiam afetar sua execução.

Quais as principais conquistas?

Ely Diniz: Além dos fatores acima descritos, o reconhecimento nacional e internacional, inclusive com a criação dos seminários, trazendo para o evento uma massa crítica, que possibilita juntar teoria e prática.

O que o emociona na dança?

Ely Diniz: A própria dança.

Voz para todos os gêneros | Foto: divulgação

Vale a pena estar à frente de um empreendimento como este? Por quê?

Ely Diniz: Vale a pena pelas pessoas, pelos artistas, pela dificuldade de se fazer um evento artístico em um país como o nosso. Pelos desafios, que fazem com que a adrenalina suba e todos os anos a gente tenha que "matar alguns leões", mas é enriquecedor.

Para saber mais, a Revista de Dança vai acompanhar os resultados e mostra os destaques do evento. Fique de olho.

Missão para bailarinos

2011-07-09T18:02:00.001-03:00

Por Flávia Fontes Oliveira

Gisèle Santoro.
Foto: divulgação

Há 21 anos, Gisèle Santoro é o nome e o sobrenome por trás do Seminário Internacional de Dança, que acontece em Brasília, sempre no mês de julho. Como coordenadora e diretora artística, ela é responsável pelo modelo que já distribuiu mais de 330 bolsas internacionais para os bailarinos brasileiros que se destacaram nas edições anteriores.

Novamente agora, entre os dias 10 e 31 deste mês, cerca de 300 bailarinos devem participar do Seminário. Como ganhar estas bolsas? O bailarino precisa participar das aulas, ensaios e apresentações. Segundo a diretora, cada participante é observado em vários aspectos, “para ter o máximo de certeza de que irão aproveitar a bolsa”, diz. Cada professor|jurado está atento ao potencial de cada bailarino.

Quando começou, Gisèle queria diminuir a lacuna brasileira de falta de oportunidades aos estudantes. Sua “missão”, como diz, foi sempre a de oferecer aperfeiçoamento aos bailarinos, com os professores internacionais convidados, e, assim, abrir portas para possíveis carreiras nacionais e internacionais.

Para quem quer algo a mais, o seminário oferece, pelo menos, três semanas de curso. Tempo para “solidificar alguma coisa, do ponto de vista de ensinamento”, diz a coordenadora. E, segundo ela, são professores de acesso limitado em seus países porque dão aulas para companhias profissionais, na maioria dos casos.

Gisèle Santoro, que já foi bailarina e fundadora da Associação Cultural Claudio Santoro (1919-1989, maestro, intérprete e compositor brasileiro, ela é viúva e teve com ele três filhos), já usou neste Seminário uma herança de cerca de R$ 300 mil. Valeu a pena? “Eu acredito terrivelmente no evento. Quando vejo algum bailarino subindo ao palco, justifica tudo”, diz.

Uma noite de retorno e renovação

2011-07-07T13:06:00.000-03:00

Por Flávia Fontes Oliveira

Cena de Nos outros, de Lara Pinheiro.
Fotos: Sylvia Masini

O Balé da Cidade de São Paulo faz seu segundo programa do ano, de hoje, dia 7, a domingo, no retorno à casa da companhia, o Teatro Municipal de São Paulo. São duas estreias, Nos outros, da diretora Lara Pinheiro, e Cidade incerta, do português André Mesquita. Ainda apresenta Divineia (2001), de Jorge Garcia, ex-bailarino do grupo. Com estes espetáculos, o Balé da Cidade continua costurando sua identidade sob o novo comando, uma companhia contemporânea com elenco renovado e trânsito entre coreógrafos de linguagens distintas. Este também é o mês da dança no Teatro Municipal e só isso já vale um brinde para a dança na cidade (ainda apresentam-se na casa São Paulo Companhia de Dança, Cisne Negro Cia de Dança, Companhia Teatro Dança Ivaldo Bertazzo, entre outras).

Lara Pinheiro compôs sua coreografia em colaboração com os dez bailarinos do elenco (Adilson Junior, Jefferson Damasceno, Yasser Díaz, Cleber Fantinatti, Victor Hugo Vila Nova, Marisa Bucoff, Fabiana Fornes, Thaís França, Liliane de Grammont, Jan Alencar ou Wagner Varela) e procura explorar a força e movimentação dos intérpretes. Nos outros trata do acúmulo de informações e experiências despejadas sobre o corpo. “O que aprendemos e coletamos do outro versus o que deixamos como marca na interação com o outro”, diz o programa.

Outra estreia da noite, Cidade incerta toma como ponto de partida o Livro do Desassossego, de Fernando Pessoa (1888-1935). O jovem coreógrafo André Mesquista – nasceu em 1979 – é fundador da TOK’ART – Plataforma de Criação, ao lado de Teresa Alves da Silva. Entre suas peças estão Como é bom tocar-te, A short history of walking, Cinderela, Slow, A Kind Of (esta última para a Cross Connection Ballet Company com artistas do Royal Danish Ballet, Danish Dance Theater e Skanes Dance Theater).

Cidade incerta, de André Mesquita

Mesquita tem se destacado por sua capacidade de reunir linguagens corporais distintas em dramaturgias bem desenhadas. Nesta coreografia para o Balé da Cidade usa o texto de Pessoa para tratar de certas singularidades da vida, como diz o texto de apresentação retirado do livro citado: “Vou mudando de personalidade, vou (aqui é que pode haver evolução) enriquecendo-me na capacidade de criar personalidades novas, novos tipos de fingir que compreendo o mundo, ou, antes, de fingir que se pode compreendê-lo.”

Para completar o programa, a companhia apresenta Divinéia, coreografia dançada por oito homens, de Jorge Garcia. Na peça, cujo nome era usado por presidiários para a sala de revista corporal da Casa de Detenção de São Paulo, popularmente conhecido como Carandiru, Garcia mostra o convívio entre estes homens, em uma coreografia que explora a força masculina. (Selecionei uma parte no vídeo abaixo)

É um elenco de grande capacidade e, só por eles, já valeria ver o espetáculo. E a direção tem sugerido um caminho rico para estes bailarinos.

Instante da dança IV

2011-07-01T16:48:00.003-03:00

Por Flávia Fontes Oliveira

Reginaldo Azevedo é quase unânime, quem dança ou dançou já deve ter sido fotografado por ele. O engraçado é que, apesar de reconhecido pelo trabalho, poucos o reconhecem pessoalmente - está sempre escondido pelas câmeras. Para quem não sabe, ele assina Raphoto e tem um site com muitas novidades de dança (www.raphoto.com.br). Há 25 anos registrando esta arte, ele acompanhou o movimento da dança no Brasil. Fotografou alguns artistas e companhias consagradas como Ana Botafogo, Cecília Kerche, Luis Arrieta, Balé da Ópera de Paris, Balé da Cidade, Cisne Negro Cia de Dança, São Paulo Companhia de Dança entre muitos outros

Suas fotos estão publicadas em veículos de todo país e em livros de dança. Atualmente, acompanha o Passo de Arte e seu desdobramento internacional o Youth America Grand Prix. “Considero estes dois festivais um dos mais importantes pólos de integração de jovens bailarinos com profissionais do Brasil e do mundo, criando aí uma conexão com o mercado externo, já que o país não oferece muito essa condição”. A seguir, ele conta um pouco mais sobre sua ideia por trás das câmeras.

O que você gosta de fotografar na dança?

Reginaldo: Alem da movimentação, gosto de captar a interpretação dos bailarinos, sinto que é neste momento que eles conseguem passar para o publico a emoção do personagem e colocam ali um pouco do seu ser

Por que resolveu fotografar dança?

Reginaldo: Já era fotógrafo e um amigo fotógrafo de dança, Thomas de Paz, me convidou para ajudá-lo em um trabalho, acabei me apaixonando pela dança, acho que a música, o movimento, o falar sem expressar palavras me cativaram e tem feito eu ficar por tantos anos fazendo isso.

Para você, a fotografia ajuda a construir a história da dança?

Reginaldo: Depois de ver tantos movimentos coreográficos, penso que a dança não só constrói sua historia como conta a trajetória da raça humana de uma forma diferente, ela coloca o sentimento que está sendo vivido naquele período e o transforma em comunicação visual, auditiva, nos levando a uma nova reflexão. Ela nos tira do momento atual e nos transporta por sensações que às vezes se encontram adormecidas em nosso cotidiano.

Outros olhares sobre a dança aqui mesmo na Revista de Dança com João Caldas, Silvia Machado e Arnaldo J.G. Torres

Olhar a cena

2011-06-30T21:40:00.002-03:00

Por Flávia Fontes Oliveira

Angel Vianna tem uma frase linda que costuma dizer: “Eu gosto de gente”. Ela, que é uma dama da dança brasileira, sabe do que está falando. As pessoas enriquecem tudo e, mesmo quando não dá para distinguir, são elas que, ponto a ponto, apontam os caminhos.

Marcela Benvegnu, minha sócia aqui, está acompanhando a primeira viagem internacional da São Paulo Companhia de Dança e está escrevendo, como repórter incansável que é, um diário sobre esta experiência. São muitas informações com um olhar “de dentro”. E é on-line: www.saopaulocompanhiadedanca.blogspot.com. “Eu queria mostrar um olhar além do palco, os bastidores e, sobretudo, quem são as pessoas”, ela me diz. Uma beleza, vão lá.

Uátila Coutinho, inquietações da dança

2011-06-29T15:16:00.001-03:00

Por Flávia Fontes Oliveira

Em Traço, de Cassilene Abranches |
Foto: Rodrigo Mendes

A inquietação é marca de artistas, mesmo quando estão em projetos grandes. Difícil identificar quando chega, mas ela está ali, pronta para pegar qualquer um de jeito. Uátila Coutinho, 23 anos, hoje bailarino do Grupo Corpo, estreou o solo Traço, de Cassilene Abranches, sua colega de elenco na companhia, em Belo Horizonte, na Mostra Klauss Vianna, há pouco mais de um mês. Pura inquietação. A ideia veio de conversas dos dois na coxia, este espaço mágico entre o palco e o que está fora da cena. “Quando eu cheguei a Belo Horizonte, não dançava muito e também não tinha muito o que fazer na cidade. Sugeri a Cassi montar um solo. Ela já estava empolgada em coreografar porque havia acabado de montar Contracapa (2009), para o Ballet Jovem do Palácio das Artes”. Agora inscreveu a coreografia em alguns festivais para dançar novamente.

Traço foi surgindo entre um espetáculo e outro do grupo mineiro e Uátila começou a contar, como ponto de partida, sua história e seus gostos. Ele começou a dançar tarde, aos 14 anos, em uma escola da prefeitura de São José do Rio Preto. Não tinha muitos amigos e, como ele mesmo diz, “na falta do que fazer”, acompanhou uma vizinha às aulas.

O tempo revelou seu jeito para as aulas e achou que daria certo a profissão de bailarino. Foi para São Paulo, dançou em telenovelas e musicais. Em 2008, entrou na São Paulo Companhia de Dança, em São Paulo. Um ano mais tarde, passou na audição do Grupo Corpo. Tem dado certo viver da dança, embora, não seja simples. “Ter a dança como profissão é um pouco assustador e incrível ao mesmo tempo. A dança mexe muito com nossa cabeça, nossas emoções e nossa vida. Vivemos buscando, mudamos de cidade, deixamos família e tudo em busca de viver a dança”, diz ele. Hoje dança é profissão e ele ajuda a família quando precisa – a mãe é doméstica e sempre o apoiou, mesmo quando tudo era incerto. Mas ainda é difícil ficar afastado da família.

Todos esses dados serviram para Traço. “Tudo o que conversamos, Cassi foi tirando ideias para buscar a trilha, ideias para movimentos e desenhos coreográficos e o traço pouco a pouco foi nascendo. Demos esse nome por ele contar minha vida, por ser algo marcado.”

Coreografia tem sua história como referência
Foto: Rodrigo Mendes

Quem já viu Uátila Coutinho no palco sabe que o nome da coreografia também diz muito de sua figura, alto, linhas de corpo precisas, movimentos grandes. Traços em movimento. Engraçado como na cena ele cresce, deixa sua personalidade doce de lado e ganha força, expressão e potência. Ainda bem que a inquietação existe.

O que te emociona na dança? Por quê?

2011-06-21T16:07:00.001-03:00

Por Flávia Fontes Oliveira

"O que realmente me emociona na dança são bailarinos de verdade. É fácil reconhecê-los: são aqueles que iluminam um palco ou uma sala de aula no mesmo instante em que começam a dançar. Não colocam a técnica acima da arte, mas a utilizam como instrumento do seu ofício. Reconhecem o seu lugar. Os movimentos são as palavras necessárias para contar uma história. Não apenas a história do espetáculo, do repertório, do coreógrafo, mas a sua própria. É de extrema beleza bailarinos que mostram quem são em apenas três minutos. Para quem dança com corpo, alma e coração, é fácil. E quando estou diante de artistas assim, é impossível os meus olhos não marejarem."

Cássia Pires, dança nas aulas e nas palavras.
Foto: acervo pessoal

Cássia Pires, 31, bailarina, revisora e preparadora de textos. Começou a dançar aos 27 anos e, além das aulas, dança com as palavras. É autora do blog http://www.dospassosdabailarina.wordpress.com/, nele mostra que o balé pode ser arte de todos – cada um encontra seu meio de torná-lo parte da vida. Como ela mesma diz “a dança não aceita entraves, nem no corpo, nem na mente”. Sua linda resposta acima indica as razões de a dança sempre ultrapassar barreiras.

No espaço do entre | Crítica New York, New York

2011-06-17T20:27:00.000-03:00

Por Marcela Benvegnu

Este é meu primeiro texto em primeira pessoa para a Revista de Dança. Talvez seja o único. Já dizia Bento Prado Junior em seu livro Sereia Desmistificada que o crítico habita o intervalo, o espaço que separa público e espetáculo. E questiono aqui qual seria o papel do crítico quando ele habita o espaço do entre o público e a melhor amiga no palco? Não criticar? Seria essa a resposta mais ética? Cabível então é me colocar neste lugar (de público e de melhor amiga), e entender que é possível olhar para o espetáculo criticamente, mesmo recebendo informações privilegiadas sobre ele. Como diz a letra de My Way, de Claude François , Jacques Revaux e Paul Anka, uma das canções do musical New York New York, é preciso aqui “dizer as palavras que verdadeiramente sente”.

Fui no sábado, 11, pela segunda vez assistir a montagem com direção artística de José Possi Neto (que na sequência já dirigirá Cabaret, com Claudia Raia como protagonista), e direção musical de Fábio Gomes de Oliveira, no Teatro Bradesco, em São Paulo. Esta é a primeira versão musical do texto baseado no livro do escritor americano Earl MacRauch. O romance ganhou adaptação para cinema em 1977, com direção de Martin Scorsese e interpretação de Liza Minnelli e Robert De Niro. A trama conta a história de amor entre a cantora Francine Evans (Alessandra Maestrini) e o saxofonista Johnny Boyle (Juan Alba) na América do pós-guerra, no auge das big bands dos anos 30 e 40.

Maestrini e Alba: os protagonistas de NY NY | Foto: Divulgação

A casa que parecia vazia faltando dez minutos para o início a apresentação se transformou. O teatro estava lotado e o público receptivo. Sinal que, quase ao final da temporada, com dois espetáculos aos sábados, a peça tem fôlego e, claro, temos público para musicais, um fenômeno recente em terras brasileiras.

A peça, uma comédia romântica, que começa num 2 de setembro de 1945, tem roteiro atual, diferente do seu próprio tempo, com uma pitada de humor, que transforma o então moderno em contemporâneo, sobretudo, pelas projeções presentes. As músicas (entre elas Sing Sing, de Benny Goodman, e claro, New York, New York, de John Kander e Fred Ebb) são cantadas em inglês, o que nos poupa de uma tradução que faça com que a obra ganhe outros contornos. Porém está presente e é bem colocada num lettering no palco, a não ser em Fever, quando a inteligente Simone Gutierrez (Srta. Perkins), protagoniza Fever e seu texto em primeira pessoa é transformado pelo lettering em terceira. Dá outro sentido. Faz diferença.


Simone Gutierrez em Fever: um dos melhores momentos \| Foto: Divulgação

É interessante notar como as coreografias de Anselmo Zolla e Kika Sampaio já estão incorporadas ao corpo dos bailarinos. Na pré-estreia, em 11 de abril – exatos dois meses - , os bailarinos ainda precisavam se moldar ao movimento. A dança ainda não estava incorporada. Hoje isso é diferente. Eles já tem a autonomia do gesto e estão bem ensaiados. Os destaques ficam para a coreografia de Zolla com o elenco masculino em Fever, uma sequência elouquente e ritmada no chão, e o trem uma delicada e simples coreografia de sapateado de Kika Sampaio que dialoga com a projeção de um trem atrás dos bailarinos. É sutil e poética.

Parte da dramaturgia da cena está relacionada à iluminação brilhantemente conduzida que cria diferentes ambientes num mesmo espaço sem comprometer a cena. Os figurinos, leia-se Atelier Chris Daud para Claudeteedeca e Miko Hashimoto, fazem bem aos olhos, com destaque para os sapatos bicolor.

Alessandra Maestrini, protagonista, dona de uma excelente atuação pode “não chacoalhar os ossos” como diz, mas não precisa. Ela faz o que quer, pensa e bem entende com a sua voz. Linda de ver e ouvir.

Seja com os Goldens Boys, no The Palm Club, Harlen ou na Pensylvania Station é possível ver ali a potencialidade de cada bailarino e o mérito do diretor em trabalhar o que cada um tinha de melhor e colocar isso em forma de espetáculo no palco. Aqui entra a minha melhor amiga. Christiane Matallo sapateia e toca saxofone tenor há mais de 15 anos. Isso não é uma novidade para mim. Midnight Voyage a música que une sax tenor e sapatos faz parte do seu repertório. Consigo ver de olhos fechados. Mas como é interessante reconhecer aquilo até então familiar para mim dentro de outro contexto, maior. É aqui que está o entre. O diretor usa seu corpo como instrumento da personagem e sua técnica a favor do musical.

Christiane Matallo: primeira mulher da direita para esquerda: placas no pé | Foto: Divulgação

E mais uma vez, na voz do texto da montagem, como diz o professor de sapateado de Francine Evans, que a gente “continue dançando” aqui ou em Nova York e, sobretudo, se reconhecendo no palco, mesmo quando lá em cima, entre a plateia e a quarta parede também está um pedaço de você.

Retrato | Herança de bailarina

2011-06-15T14:44:00.000-03:00

Por Flávia Fontes Oliveira

Por vezes, não há como escapar de nossa herança – seja ela qual for. Alicia Pereda Saul, maranhense, doze anos, é filha do bailarino cubano Jose Pereda e de Olinda Saul, bailarina, fundadora e diretora do Ballet Olinda Saul, em São Luís, Maranhão. “Não me lembro de mim sem fazer balé”, diz ela que, segundo a família, começou a frequentar salas de aula no primeiro ano de vida. Tem se destacado pela potência e disposição ao trabalho.

Além do desejo, herdou também as proporções físicas privilegiadas para o balé clássico, longos braços e pernas, pés desenhados, além de ser esguia. Como toda bailarina, sabe que o tempo é curto e pretende agora aproveitar sua cidadania cubana para estudar por lá, “quem sabe dançar no Ballet Nacional de Cuba”, ela diz. Seu sonho? Dançar no American Ballet Theater, em Nova York, onde outro brasileiro, Marcelo Gomes, hoje brilha. Ainda falta um bom trecho de estudo, dedicação e perseverança para que o sonho se concretize, mas, para a sorte da dança, Alicia não escapou de sua herança.

Alícia Pereda Saul em ensaio na escola de sua mãe,
em São Luis, Maranhão| Foto: acervo pessoal

Por uma formação completa

2011-06-13T12:02:00.001-03:00

Por Flávia Fontes Oliveira

Patrícia Otto | Foto: acervo da artista

Certo dia, entre uma e outra aula, uma aluna, do alto de seus 11 anos, disse a Patrícia Otto, professora da Escola de Dança do Teatro Guaíra, com a ênfase típica da idade, que gostaria de se tornar “a melhor bailarina do mundo”, mas, para isso, precisaria de sua ajuda. A ousadia da aluna a divertiu por um instante, depois “caiu a ficha”: ficava claro para ela, ali, a importância de seu compromisso e sua responsabilidade como professora.

Patrícia tem uma longa ligação com a Escola do Teatro Guaíra. Foi formada pela mesma escola e, desde 1995, é professora e coreógrafa da mesma instituição. De 2000 a 2005, assumiu ainda o papel de diretora e coreógrafa do Projeto Pré-Profissional do Teatro Guaíra, grupo premiado em diversos festivais. Graduou-se também em Dança pela Pontifícia Universidade Católica do Paraná (curso que atualmente é da Faculdade de Artes do Paraná) e se especializou em Consciência Corporal – Dança na Faculdade de Artes do Paraná.

Tem sede de conhecimento e entende a formação do bailarino de modo amplo: do entendimento do corpo ao conhecimento em diversas áreas. Por isso, prefere chamá-los de cidadãos. Fez aulas fora do Brasil, nos Estados Unidos e França, com professores como Floriane Blitz, Andrej Glegolski, Christian Poggioli, Sergei Soloviev e Jacqueline Fynnaert (barre à terre), mas cita como sua grande mestre Carla Reinecke, com quem trabalhou por 15 anos, primeiramente como aluna e bailarina, mais tarde como sua assistente. “Essa convivência foi de grande relevância na formação da profissional que sou hoje”, diz.

Para completar, também é diretora e coreógrafa do Otto Studio Art.

Com esta entrevista, a Revista de Dança continua a série de conversas com professores-formadores do Brasil. E eles têm muito a falar.

Você é professora de dança na Escola de Dança do Teatro Guaíra. Gostaria que contasse um pouco de seu dia a dia como professora.

Patrícia Otto: Tenho o privilégio de ser professora da Escola de Dança do Teatro Guaíra há cerca de 20 anos, uma instituição de ensino profissionalizante em dança. Pude vivenciar todos os níveis da escola, desde a iniciação ao balé até o aperfeiçoamento, acompanhar o desenvolvimento de cada fase do aluno. Fui me transformando e encontrando minhas “crenças”, meu caminho para orientar os jovens neste universo da arte.

Atualmente trabalho com os níveis intermediários e adiantados e tenho uma paixão especial em trabalhar a dança com rapazes. Não se trata de uma regra, mas a maioria deles vem de uma história de luta, preconceitos, barreiras de todos os tipos, mas também carrega consigo uma sede de vida, de aprendizado, dispostos a se dedicar totalmente nessa caminhada e isso me encanta.

A Bela Adormecida, remontado pela Escola de Dança do Teatro Guaíra
Foto: acervo da artista

Como é sua relação com os alunos?

Morgana Cappellari no solo Ne me quitte pas, de Patrícia Otto
Foto: Cayo Vieira

Patrícia: Trata-se de um lugar comum, mas faço parte das pessoas que acreditam que não escolheram a dança, mas, sim, foram escolhidas por ela. Da mesma forma, tive a sorte de trabalhar com alunos/bailarinos que me desafiavam todos os dias. Tive uma aluna que, no “alto dos seus 11 anos”, sentada numa cadeira (sem ainda alcançar o chão com os pés), disse-me que precisava trabalhar muito, pois queria ser “a melhor bailarina do mundo”, conhecer o mundo através da dança, e olhou para mim e disse: “eu dependo de você para isso, você pode me ajudar?”. Acredito que naquele momento entendi e aceitei a minha responsabilidade como professora. Como ela, outros tantos alunos me fizeram encontrar caminhos para desenvolver o talento que cada um tinha, mas que precisava ser lapidado. Todas essas situações que a vida me apresentou e apresenta todos os dias me conduziram a um caminho de muito estudo, não apenas da técnica masculina, por exemplo, mas também das questões psicológicas que envolvem o trabalho.

Independentemente da técnica que trabalhamos, sempre tem um ser humano. E, no meu dia a dia como professora, é isso que me inspira. Que me desafia. Como posso contribuir para que esse artista entenda seu corpo, saiba o que está fazendo e, principalmente, como está fazendo. Encontrar maneiras para trabalhar com adolescentes que vivem uma velocidade tecnológica absurda, mas que, para alcançar seu objetivo, seu sonho, o que quer que desejem com a dança, precisam ficar horas numa sala de aula estudando e entendendo seu corpo, o mais perfeito computador já criado. E, principalmente, ser feliz com tudo isso.

Black and White, de Patrícia Otto,
com Daniel Siqueira | Foto: Cayo Vieira

Como são as preparações para estas aulas?

Patrícia: Sempre procuro não ficar presa apenas à técnica que estou trabalhando. Encontro em outros lugares informações que me auxiliam muito no conhecimento do corpo. Acredito que o bailarino precisa de outras imagens para encontrar seu caminho interno para executar um movimento. Por exemplo, um tour en l’air ou uma pirouette en dehors: ficar repetindo um milhão de vezes o mesmo movimento não vai fazer com que ele aconteça. Se conseguir, com certeza terá levado muito mais tempo. Mas pensar o corpo, o porquê não acontece, o que fazer para se reorganizar internamente, a energia que envolve esse corpo tridimensional e a energia que existe dentro dele, como essa mente que vai executar esse movimento está presente, enfim, fatores importantes que não podem ser deixados de lado.

Para isso busco beber em fontes como Pilates, Laban, Klauss Vianna (1928-1992), Bernardo de Rezende (Bernardinho, técnico de Vôlei), Flavio Sampaio e poderia citar outros tantos das mais diversas áreas que me fornecem combustível para criar/recriar maneiras de trazer o melhor de cada um todos os dias. Inclusive o meu melhor.

Em seu principal papel, professora. Foto: acervo da artista

Qual o papel de um bom professor?

Patrícia: Em primeiro lugar é preciso educar – para a arte e para a vida. Existe a educação que é de casa (hoje um pouco esquecida), mas não é a essa que me refiro. Educar para saber lidar com as situações que a vida oferece. Respeitar o outro. Fazer com que os jovens entendam que não existe o errado, existe o diferente. Ensinar a não desprezar o trabalho do outro. Por isso, acho importante os festivais de dança, por exemplo. Competir para conseguir o primeiro lugar para ele ou para a escola não pode ser o objetivo. É importante participar para conviver em grupo, ver o que acontece no mundo da dança, adquirir experiência de palco, lidar com a adrenalina no momento da apresentação, aceitar que às vezes se ganha um troféu, outras não, mas que você sempre ganha quando faz o que ama com responsabilidade, paixão, com prazer. Isso é educar.

Outro ponto é a necessidade de o professor estudar sempre. Mostrar também ao aluno a importância da informação teórica como ferramenta complementar para o desenvolvimento da técnica e da expressividade.

E, por último, porém não menos importante, é ter prazer em trabalhar com os mais diversos tipos físicos. Numa sala de aula, você se depara com um grupo heterogêneo e, para mim, isto é uma riqueza. Mas também um grande desafio. É responsabilidade do professor não apenas perceber o que cada um tem de melhor e lapidar, mas também instigá-los a buscar o seu melhor.

Na sua opinião, como é a formação no Brasil? Os pontos positivos, os negativos, as diferenças.

Patrícia: Uma coisa interessante no Brasil é que não ficamos presos a uma escola ou a uma técnica específica. Acredito que, quando se transita por diversos universos, você tem a possibilidade de experimentar e escolher o que funciona mais para o seu corpo, desde que seja bem orientado.

Montagem de La Bayadère, na Escola de Dança do Teatro Guaíra
Foto: acervo da artista

Outro ponto importante é a existência dos cursos superiores em dança. Neste tópico encontro pontos positivos e negativos. Os cursos proporcionam uma informação diferenciada que pode complementar a formação do bailarino principalmente no que está relacionado à docência e à pesquisa em dança, isto é positivo. Vejo como negativo achar que somente quem tem formação superior é detentor de maior conhecimento. Existem grandes profissionais que não possuem um diploma de nível superior e são responsáveis pela alta qualidade da dança em nosso país. Volto à questão educacional: é preciso respeitar a história e os profissionais que a fizeram.

Como professora e coreógrafa, o que chama atenção em um aluno? E o que faz dele um artista?

Patrícia: Sem dúvida nenhuma a sede de vida, o brilho nos olhos. Quando estou assistindo a uma aula ou a um espetáculo, dando cursos, coreografando, às vezes tem aquele bailarino que parece ter um ímã. O meu olhar tenta sair dele, mas é impossível. Uma vontade de olhar e olhar de novo, um “querer mais”. E, para mim, isso só acontece com quem é artista de alma, tem vocação. Já tive alunos com excelentes tipos físicos, mas que eram apenas isso, não aconteciam. Por outro lado, já trabalhei com outros que não eram tão favorecidos fisicamente, mas tinham uma garra, uma felicidade em dançar, um brilho especial que conquistaram seu espaço e seus ideais. Isto é vocação. Quando existe a vocação e o talento físico, é perfeito.

Agora uma coisa é certa: ter uma boa cabeça para saber fazer as escolhas certas é essencial. Se não para mim não vale a pena. Dedico todo o tempo e conhecimento aos meus alunos, mas se percebo que ele está fazendo escolhas erradas (e isso inclui drogas, atitudes, etc) e percebo que ele não quer sair deste caminho, mesmo recebendo toda a orientação necessária, nossa história termina ali. A ética e a dignidade fazem um artista ser completo.

Qual maior prazer para um professor?
Natural, de Patrícia Otto,
com Ana Roberta Teixeira
Foto: acervo da artista

Patrícia: Existem vários aspectos prazerosos. Quando você percebe que um aluno está tentando fazer o que você orientou, dedicando-se, atingindo objetivos que ele achava inatingíveis, a felicidade desta conquista, isso é maravilhoso! Acompanhar o amadurecimento do corpo e de um ser humano é muito bom! Ver um grupo de jovens se dedicando nos dias de hoje à arte, é o que me motiva diariamente! Vê-los, depois de anos de convivência, tornando-se boas pessoas e saber que contribuí de alguma forma para isso, me faz ter a certeza de que faço a coisa certa!

Você tem algum sonho? Qual?

Patrícia: Nossa, tenho! Primeiro gostaria que a dança, a cultura em geral, fosse mais valorizada em nosso País! Mas isso todo artista deseja. Mas meu sonho é ter possibilidade de ajudar mais os alunos que não possuem condições financeiras para se dedicar integralmente à dança. Um lugar para alojá-los, com alimentação, estudo, enfim, uma instituição onde eles possam ter tudo o que é necessário para ser um grande artista e um grande cidadão.

Seu aluno Daniel Camargo, em Dom Quixote
Foto: Amir Sfair Filho

Se pudesse, o que mudaria na formação no Brasil?

Patrícia: Gostaria que todos tivessem condições para realizar seu trabalho com dignidade. Que a formação estivesse caminhando lado a lado com a informação, o que nem sempre acontece. Acredito que uma formação mais completa não daria para o mundo apenas artistas de qualidade, mas sim “artistas-cidadãos” de qualidade. E quando digo formação mais completa me refiro à filosofia, à psicologia, à cidadania. Mas acredito que estamos num caminho bem interessante.

Você também é coreógrafa. Como consegue unir as duas formas de trabalho?

Patrícia: Não acho que meu processo de criação esteja muito vinculado ao meu processo de aula. Nas aulas direciono minhas energias para auxiliar meu aluno a fazer descobertas, (re)descobrir seu corpo. Quando coreografo é outro momento. Às vezes, preciso coreografar algo já definido – é para ser assim e pronto! Outras vezes, tenho a oportunidade de criar com total liberdade, seja de tema, de movimentos. O que existe em comum é que a pesquisa, seja ela qual for (de corpo, bibliográfica, musical, um passeio na rua...), está sempre presente. O pensar a dança! Muitas vezes buscando soluções para a “coreógrafa”, encontro a resposta que a “professora” buscava e vice-versa. Sou privilegiada em trabalhar para uma instituição que me possibilita ser as duas coisas (e outras tantas)! E, principalmente, uma instituição que confia no meu trabalho.

Por que dança é importante para você?

2011-06-10T17:35:00.001-03:00

Por Flávia Fontes Oliveira

Milton Coatti em cena de Gnawa, de Nacho Duato
Foto: Alceu Bett | Divulgação

“Ao longo da nossa vida, vamos construindo princípios de educação, responsabilidade, ética, honra. Estes serão os parâmetros regentes de nossas atitudes, decisões e os rumos consequentes disso tudo. Também somos regidos por ideias e a dança surge como clara resposta à altura desse movimento. Não se trata apenas de uma prática física, mas sim de arte. E, para além disso, compreende inúmeros valores que a tornam quase uma filosofia (e torna grandes seus seguidores). Não se trata de praticar dança, mas sim de vivê-la. Dançar não é ser puramente racional. Surge como uma escolha tão natural, nem parece que foi você quem a fez, tal o nível de importância e o espaço que ela toma em sua vida.”

Milton Coatti, 30, é bailarino da São Paulo Companhia de Dança desde 2008. Nasceu em São Paulo e sua experiência na dança é longa: trabalhou na Cisne Negro Cia. de Dança, Siameses, J. Garcia e Cia, Cia. de Danças de Diadema e estagiou na Cia. de Dança Deborah Colker. Participou de projetos como artista independente no Centro Cultural São Paulo, também é coreógrafo. É ótimo intérprete, na cena e nas palavras, porque sabe entender o intervalo entre potência e brandura. Sua resposta dimensiona a avalanche que a dança provoca em quem decide segui - lá.

Dica | Priscilla: para todo mundo ver!

2011-06-07T20:54:00.001-03:00

Para não deixar de ver em NY: Priscilla | Divulgação Broadway

Por Marcela Benvegnu

Eles, ou melhor, “elas” são um verdadeiro escândalo! Depois de arrebentarem nos teatros da Austrália e de Londres, invadiram a Broadway, em Nova York. A versão musical de Priscilla – A Rainha do Deserto repete a história do filme de 1994, em que duas drag-queens e uma transexual são convidadas para cruzarem o deserto australiano em um ônibus chamado Priscilla. No caminho, surpresas e aventuras que mostram superação e, sobretudo, bom humor.

Com produção de Bette Midler, direção de Simon Phillips e estrelado por Will Swenson (Mitzi), Tony Sheldon (Bernadette) e Nick Adams (Felícia), o musical é infinitamente melhor do que o filme.

A trilha sonora é um convite. Impossível sair de lá sem o CD ou mesmo sem cantarolar uma das canções como: Go West, I Will Survive, It’s Raining Men, Material Girl, I Say a Little Prayer, que são brilhantemente interpretadas pelo trio Jacqueline Arnold, Anastacia McCleskey e Ashley Spencer. As coreografias originais de Ross Coleman são simples, porém, muito bem executadas por um trio de atores que são obrigados a andar (e dançar) com um sapato plataforma muito maior do que os convencionais. Os figurinos de Tim Chappel e Lizzy Gardiner são de faltar ar, tamanha beleza e brilhos. Por falar em brilho e luz, isso é o que não falta ao musical.


Mimo: sapato que brilha no escuro

Essa é apenas uma dica para quem estiver procurando o que assistir em NY e tiver que escolher apenas um musical. O ingresso vale a pena. Ah! Um mimo: comprem o sapatinho que brilha no escuro e é na verdade um imã ($ 8 dólares) e o copo de refrigerante ($ 5 dólares), que é de plástico resistente e você leva para casa. E não vale esquecer de pegar a sua Playbill colecionável para ler e reler depois.

Reflexão | JAZZ DANCE: a técnica como resultado da preservação do estilo

2011-06-02T21:23:00.005-03:00

Por Marcela Benvegnu

Shaft Revisited de Sue Samuels: jazz em essência | Foto: Jan La Salle.

No Brasil, quando assistimos a um trabalho inscrito na categoria de jazz dance e ele é na verdade uma coreografia de dança contemporânea, nos questionamos o por quê daquela obra estar ali. Onde está o swing, a tradução literal do jazz? Como a cada dia as linguagens estão mais híbridas e se ouve que “na dança tudo pode” cria-se essa confusão, que num primeiro momento até parece adequada já que não temos uma companhia de jazz profissional - os referenciais do gênero estão nas décadas de 1980 e 1990 - e não existe uma sistematização do gênero no Brasil. Porém, no jazz, a forma de que tudo pode não se aplica.

O questionamento (antigo) volta à cena: O jazz morreu ou se transformou? O que é um puro trabalho de jazz? Aquele que usa a técnica tradicional para se organizar ou aquele que usa a técnica para criar outras formas de movimentação sem fugir do estilo original? Ambos. O jazz tem técnica (Fosse, Luigi, Giordano, Cole, Dunham, Mattox, Robbins e outros), está longe de morrer porque passou por um processo natural de transformação.

O que falta aos coreógrafos hoje se chama técnica. Com o domínio da mesma, esses professores podem transformar o que até então era chamado de tradicional em contemporâneo, mas sem sair do estilo, sem deixar de fazer jazz dance. Será que, por exemplo, as contrações de Luigi ou os pas de boureés com braços abrindo e fechando de Giordano já foram vivenciados no corpo dos professores de jazz? Sem técnica não se dança (nada).

Não é só no Brasil que ela está em falta. No dia 21 de junho, a sala 5 do Alvin Ailey Studio (The Ailey Studios at The Joan Weil Center for Dance), em Nova York, foi sede da primeira edição de 2011 do New York Jazz Choreography Project, dirigido por Marian Hyun e Marete Muenter desde 2007. O projeto pretende preservar o jazz dance e permite que coreógrafos do gênero apresentem seus trabalhos. A direção recebe inscrições de toda a América do Norte e seleciona alguns nomes, visando a diversidade de vertentes das obras para compor o programa de duas edições por ano. A próxima edição está marcada para os dias 12 e 13 de novembro, no Ailey Citygroup Theatre, no Alvin Ailey Studio.

A noite não foi longa, mas difícil. Entre os onze trabalhos apresentados – seguidos de um bate-papo – a maioria pincelava uma movimentação jazzística com muita dança contemporânea. Se o corpo começava a dizer algo, o rosto se fechava. Em outros momentos, a música pedia um tipo de dramaticidade e se via um sorriso fora de lugar. Corpos lindos e alongados mostravam sequências acrobáticas em detrimento da coreografia.

A luz no fim do túnel foi Shaft Revisited, de Sue Samuels, diretora da Jazz Roots Dance, uma companhia de jazz dance de Nova York, criada em 2009, que se dedica a preservação do jazz tradicional. Sue é uma das fundadoras, ao lado de Jojo Smith, da Jo Jo Dance Factory, que posteriormente se tornou a Broadway Dance Center. Shaft Revisited é um trabalho original de Smith, revisitado agora pela coreógrafa. Não é preciso procurar pelo o jazz. Ele está lá, no corpo dos intérpretes durante todo o trabalho. É técnico, musical, dançado. A coreografia faz com que o espectador tenha vontade de se juntar ao grupo para dançar. A movimentação é um convite e revela a técnica como preservação do estilo. Shaft Revisited é um jazz tradicional e se assume desta forma. É o jazz em essência.

Se os coreógrafos tivessem essa base no corpo para fazerem o que levam ao palco hoje (sem a confusão do gênero) a nossa pergunta talvez pudesse ser diferente: o jazz acordou ou cresceu? E poderíamos responder: ambos, porque com técnica e dentro do estilo, quase tudo pode.

Leia um pouco sobre história do jazz no Tudo é Dança: Broadway Circuito de Produção.

Fred Astaire

2011-06-02T16:13:00.002-03:00

Por Flávia Fontes Oliveira

Era para ser uma última homenagem ao mês do sapateado, em maio. Continua sendo uma homenagem, embora a data não sirva mais.

Para mim, a fineza de Fred Astaire (1899-1987) sobrevive nos filmes na fixação de parecer fácil, como se sua dança e sua música fossem algo do dia a dia - mesmo que os registros indiquem que ele era perfeccionista, quase a ponto de deixar a equipe maluca, repetindo incansavelmente até chegar ao que acreditava ser o melhor.

Com Ginger Rogers (1911-1995), sua parceira em dez filmes, desenhou a dança nos filmes, como declarou Gene Kelly (1912-1996). A partir de sua naturalidade de fazer a dança como parte da narrativa, chamou atenção para seus atributos de intérprete e contribuiu para o gênero no cinema. Ele não apenas dançava, mas fazia (e faz) acreditar nos seus sentimentos, nos seus romances.

Apesar dos inúmeros filmes com Ginger Rogers, gosto muito de Meias de Seda (1957), com Cyd Charisse (1921-2008). Ele já não é tão novo, mas é sedutor e bem-humorado, cada passo parece ser perfeito – separei um vídeo abaixo.

Antes de finalizar, foi relançado recentemente o livro The Fred Astaire & Ginger Rogers Book (EP Dutton), de uma das minhas críticas favoritas, a americana Arlene Croce, crítica de dança da revista New Yorker de 1973 a 1998. Vale um comentário em outro post. Aguardem.

Programe-se | Convite

2011-06-01T18:14:00.000-03:00

Por Flávia Fontes Oliveira

O programe-se desta semana é especial. Marcela Benvegnu, minha sócia querida nesta empreitada, dará um curso neste fim de semana, dias 4 e 5, em Piracicaba – sua segunda cidade natal.

O tema é História da Dança, como parte do projeto de formação extensiva do PiraproDança (Programa Anual de Dança de Piracicaba), e também é gratuito. O curso lança novos diálogos e formas de olhar a produção atual de dança pelo recorte oferecido pela Marcela. Em debate, questões relacionadas às origens e ao desenvolvimento da dança cênica ocidental, seus desdobramentos em manifestações, movimentos e espetáculos.

O conteúdo prevê as seguintes abordagens: nascimento do balé (Renascença), balé de ação, os balés brancos (período romântico), era Diaglilev, dança moderna, expressionismo na dança, dança pós-moderna, dança contemporânea, dança-teatro, performance, vídeo-dança, sapateado, jazz dance e musicais, danças urbanas, dança no Brasil e festivais/companhias.

São 40 vagas e, para se inscrever, o email é formacaoextensiva@piraprodanca.com.br

É preciso enviar currículo e carta de interesse. Eu aposto que será incrível!

A dança em muitos caminhos

2011-05-31T15:44:00.002-03:00

Por Flávia Fontes Oliveira

Manoel Francisco | Foto: acervo do artista

Ele dançou ao lado de Márcia Haydée e Ana Botafogo, sempre teve vocação e aptidão física para o balé clássico; participou de montagens de grandes musicais na Europa, como Cats; suas aulas de balé carregam seu modo elegante de dançar. Manoel Francisco é um artista acima de tudo. No palco novamente, agora ele canta e, pela direção, não é pouco. Toma um Trago e Lava o Coração tem Nana Caymmi no papel de diretora.

A dança tem dessas pessoas que nem sempre são conhecidas e reconhecidas do público além da dança. Uma pena – para os dois lados. Manoel Francisco fez 44 anos em abril, dá aulas no Theatro Municipal do Rio de Janeiro e gosta do que faz. Nesse mundo em que transita, o palco é o ponto de partida – e de chegada. “Palco para mim é religião, trabalho árduo, sério, mas absolutamente prazeroso e necessário”, diz ele nesta entrevista.

Viver da dança é viver apaixonadamente. Sem isso é quase impensável enfrentar os desafios da profissão. Quando isso se une à gentileza, na vida, no palco ou em sala de aula, acontece o caso feliz de nos encantarmos ainda mais por esta arte. Manoel Francisco é assim. Um pouco disso tudo está nesta entrevista. Espero que gostem.

Só para finalizar, depois de me responder tantas perguntas, ele estreou no elenco de Lado B, de João Wlamir, no Centro Cultural dos Correios, no Rio de Janeiro, até dia 5 de junho. Esqueci de dizer, é artista múltiplo

Ensaio no Zurich Ballet | Foto: acervo do artista

Como a dança passou a fazer parte da sua vida?

Fui acompanhar uma amiga à sua aula de balé, no Teatro Guaíra, em Curitiba. No fim da aula, a professora perguntou quem eu era, puxou assunto, me sentou no chão, puxou um pé para cá, uma perna para lá, chamou outro professor para ver. Deve ter visto minhas proporções. Em 10 minutos de conversa, ela me convidou para fazer aula. Eu tinha 12 anos. Antes deste episódio, eu nunca tinha visto balé na vida. Fiquei fascinado com aquele mundo novo e peculiar, a disciplina, a seriedade, mas principalmente a beleza que emanava de tudo. Música e movimento aliados de um jeito tão maravilhoso.

Houve um momento de decisão para levar isso profissionalmente?

Houve sim. Quando descobri que tinha talento para dança, eu me apaixonei seriamente pelo balé clássico. Além de ter cursado uma das melhores escolas profissionalizantes do país, que no meu tempo se chamava Curso de Danças Clássicas da Fundação Teatro Guaíra (hoje Escola de Dança Teatro Guaíra), tive o estímulo dos professores. Fui descobrindo aos poucos a musicalidade, vi que eu iria adorar fazer daquilo minha profissão. Nunca quis ser nada além de artista. Eu me empenhei muito, fazia duas, três aulas por dia. Depois de três anos, recebi um convite para fazer audição para o Balé Teatro Guaíra, na época dirigido por Carlos Trincheiras, e passei. Assinei meu primeiro contrato profissional aos 16 anos. Desde então jamais deixei de trabalhar – e somente com meu ofício de artista.

Com Claudia Mota em O Quebra-nozes

Conte-me um pouco de sua formação, com quem dançou, principais papéis, principais professores.

Quando fui contratado pelo Balé Teatro Guaíra aprendi como um bailarino profissional se porta e o funcionamento de uma companhia. Mas fui ter uma oportunidade maior já no Ballet do Theatro Municipal do Rio de Janeiro, um pouquinho mais maduro, aos 18 anos. Fui promovido a primeiro solista e tive lindas oportunidades de dançar primeiros papéis ao lado de estrelas como Ana Botafogo, Cecília Kerche, Nora Esteves, Bettina Dalcanale, Áurea Hammerli, Claudia Mota, Márcia Jaqueline.

Três anos depois parti para a Europa, onde dancei principalmente no Zurich Ballet, sob direção do coreógrafo genial Uwe Scholz (1958-2004). Lá dancei O Lago dos cisnes, O Quebra-nozes, La fille mal gardée, Coppelia, Giselle, A Bela adormecida, Romeu e Julieta, La Sylphide, Dom Quixote, Paquita, Les Sylphides, além de criações de John Cranko(1927-1973), Maurice Béjart (1927-2007) e Uwe Scholz, principalmente. Fiquei 13 anos na Europa, oito em companhias de dança e depois com os musicais Cats e O Fantasma da ópera. Neste momento, a música entrou definitivamente na minha vida, de maneira profissional, depois de ser um bailarino estabelecido na Europa. Também nesse período estive algumas vezes no Japão e no Egito dançando como bailarino convidado. Trabalhei com Desmond Doyle (1932-1991), Tatiana Leskova, Bertha Rosanova (1930-2008), Jane Blauth, Eugenia Feodorova (1925-2007), Isabel Santa Rosa, Aldo Lotufo, Natalia Makarova, Azari Plisetsky, Vladimir Vasiliev, Peter Schaufuss, Richard Cragun, Márcia Haydée, Dalal Achcar, Desmond Kelly, Shonnach Mirk, Fernando Bujones, entre tantos outros.

O que te encantava no palco? Tem alguma lembrança especial?

Palco para mim é religião, trabalho árduo, sério, mas absolutamente prazeroso e necessário. Nele, eu me sinto mais honesto e verdadeiro, o palco me traz felicidade, estímulo na vida. Ser aplaudido por um Theatro Municipal (do Rio de Janeiro) repleto e entusiasmado é uma sensação inesquecível, assim como ter na plateia dos meus shows minha diretora, Nana Caymmi. Da mesma maneira, ser dirigido pela Marília Pêra em dois trabalhos no teatro que coreografei e fui assistente de direção Doce deleite (2008) e A garota do biquíni vermelho (2010) – neste último também atuei - me deixa feliz.

Como foi a passagem de papeis clássicos para musicais? Fiquei um bom tempo na dúvida, questionava tudo, pois eu tinha medo de “perder” a identidade de bailarino clássico, minha rotina mudaria, com certeza. Com a prática, vi que eu não só continuava o mesmo bailarino de sempre, fazendo aulas todos os dias, como também trouxe outras formas de arte para minha vida. Afinal, eu estava em cena não só dançando, mas usando a voz, a palavra. Minha rotina incluía, além de aulas de balé, aulas de canto, ensaios e oito espetáculos por semana...!!! Segunda-feira era o único dia livre que eu tive durante muitos anos.

Com Ana Botafogo |
Foto: acervo dos artistas

Tem algum momento especial para você nesse tempo? Alguma música especial?

Nunca me esqueço da estreia de Cats, em Milão, em estádio para cinco mil pessoas, abarrotado de gente (Lady Di estava na platéia). Poucas vezes fui aplaudido daquela forma e por tanto tempo, uns três minutos, que pareciam três horas. Eu fazia o gato Mr. Mistoffolles e, no fim do meu solo, o público se levantou para aplaudir. Chorei de emoção. A emoção de cantar é diferente, usar a palavra além do corpo faz diferença; é de outra ordem, mas se complementam. Tudo é expressão, sentimento, entrega, arte, veracidade. Claro que toda vez que subo no palco para cantar o bailarino vem junto, não poderia ser diferente, eu nunca vou deixar de ser bailarino clássico.

Atualmente, a canção que anda habitando meu coração, com insistência, é Somos Iguais, da dupla Evaldo Gouveia e Jair Amorim, que fez muito sucesso na voz do grande Altemar Dutra. Esta canção faz parte do meu show Toma um trago e lava o coração, dirigido por Nana Caymmi. Esse show fez nove semanas de temporada no Rio entre janeiro e março deste ano. Vale comentar que tenho o orgulho de ser o primeiro e único artista que Nana aceitou dirigir – outra emoção na minha carreira.

Em Cats, destaque
em jornal francês

Agora cantar é sua dança?

O cantar é outra manifestação do ritmo, da musicalidade que um bailarino necessita ter, obviamente. Meu canto passa pelo corpo. O que me alegra muito é que continuo trabalhando muito com dança, o canto só vem ocupando mais espaço, mas uma coisa não anula a outra, ao contrario, elas se complementam.

Para você, qual o diálogo entre dança e música?

É necessário ouvido, afinação, sensibilidade, musicalidade para exercer os dois ofícios, por isso eu disse que eles se complementam. Mantenho como cantor a mesma disciplina rígida que o bailarino tem.

No show Toma um trago e lava o coração |
Foto: acervo do artista

O que é ser professor? Como a dança continua em sala de aula?

Tenho fascínio em ser professor. Poucas coisas me dão mais alegria do que estar em sala de aula com um grupo de gente talentosa, com ouvidos, olhos bem abertos, corpos atentos, querendo absorver informação, burilando a técnica e a interpretação. Dividir o que aprendi, trocar experiência é uma sensação ímpar. Transmitir uma determinada emoção, colocar em um corpo determinado estilo para que aquilo se torne arte, interpretação, não movimento puro. Fico tinindo de felicidade em contribuir, ajudar, ensinar e assim aprender junto e mais a cada dia.

Kika Sampaio e o universo dos musicais

2011-05-25T16:48:00.001-03:00

Por Marcela Benvegun

Kika Sampaio em cena |
Foto: acervo da artista

Desde 1988 ela divide seu tempo entre o Kika Tap Center, escola que criou em 1982, e o mercado dos musicais no Brasil. “O primeiro musical que assinei como coreógrafa foi a versão paulista de As Noviças, dirigido por Wolf Maia. Depois, em 1989, coreografei, atuei como atriz e bailarina em Cabaret, com direção de Jorge Takla”, diz a coreógrafa Kika Sampaio, em entrevista a Revista de Dança. Hoje, 25 de maio, data em que se comemora o Dia Internacional do Sapateado (leia a matéria que explica a data aqui), preparamos um bate-papo com ela que é referência no assunto. Abaixo, ela conta um pouco sobre este universo, em especial de seu último trabalho: as coreografias de sapateado de New York, New York, musical com direção de José Possi Neto, em cartaz no Teatro Bradesco, em São Paulo. Confira os melhores trechos:

Sua lista de musicais vai além dos que você já citou...

Kika Sampaio: Sim. Para citar alguns coreografei: Não Fuja da Raia (1991), com direção de Jorge Fernando; atuei como atriz e produtora no infantil Chapeuzinho Vermelho (1993), de Flávio de Souza, com direção de Mira Haar; fui assistente de direção e coreógrafa de sapateado de Victor ou Vitória (2001), de Jorge Takla, e entre os mais recentes destaco Gypsy (2010), de Charles Moeller e Claudio Botelho, no qual fui ensaiadora de sapateado do elenco infantil e New York, New York. Desde 2007 dirijo a KS Cia. de Sapateado, sou colunista de dança do site www.chezcroque.com.br e preparo um pocketshow com crianças de 8 a 12 anos.

Como é coreografar para musicais? O que você prefere: remontar uma obra ou adaptá-la?

Kika: Coreografar para musicais é trabalhar em parceria com o diretor do espetáculo, pois você cria a ideia ao lado dele e assim coreografo livremente dentro daquele contexto. Entre a remontagem e a adaptação, acho a remontagem mais difícil, pois temos que ser fiel à ideia original, concordando ou não com o desenvolvimento da obra. É preciso ter respeito, cuidado para que nada seja alterado. A adaptação, apesar de ter a autorização do coreógrafo para pequenas modificações para o elenco, pode dar ou não dar certo, pois você depende do material humano que tem em mãos, mas não me incomodo com isso. Uma vez que aceito um trabalho, sei das condições e aí temos que aplicar a eficiência para termos o resultado.

Em Cabaret, 1989, atuação como atriz e bailarina |
Foto: acervo da artista

Como você olha para o cenário dos musicais hoje?

Kika: Acho muito bom. É um grande campo de trabalho. Alguns bailarinos, que já estariam fora da cena por conta da idade se resolvessem se dedicar somente a companhias profissionais, têm a carreira prolongada por conta da atuação nos musicais. E, no contraponto, a cada dia aparecem mais jovens que cantam, dançam e interpretam preparados para fazer o trabalho, sem contar que, se os produtores investem nestes grandes projetos, é porque o mercado necessita da existência deles.

RD - Seu último trabalho foi em New York, New York. Você pode contar um pouco da sua experiência?

Kika: Cada trabalho traz diferentes propostas e diferentes diretores. Este em especial foi interessante, pois o Possi dá um valor maior à dança e isto se torna bastante instigante do ponto de vista coreográfico, com suas coerentes intervenções e até criações junto ao corpo de baile. O mais difícil e ao mesmo tempo desafiador neste trabalho talvez tenha sido quando o Possi pediu para eu coreografar trechos de sapateado nas coreografias de Alselmo Zola (que assina as coreografias de dança contemporânea do musical). A experiência foi fantástica, pois, quando temos respeito pelo trabalho do outro, tudo acaba sendo uma enorme tela com pinceladas de duas pessoas criativas, na qual o produto final se revela interessante e divertido. Hoje sentada assistindo ao musical pronto fico muito orgulhosa e feliz por ter vivido mais este aprendizado.

Qual a dificuldade de coreografar para um elenco que nem sempre tem experiência com sapateado? Como é que você realiza esse trabalho de corpo?

Kika: Aí que é interessante. Como criadora tenho um desafio pela frente: enxergar pessoas com diferentes corpos e entender que milagre na dança não existe. Tenho que entender a proposta do diretor, do maestro, elaborar e aproveitar a criação muitas vezes espontânea que os bailarinos me oferecem e criar sobre este universo. A criação vem da simplicidade e da compreensão daquilo que é oferecido para o coreógrafo.

Uma das cenas mais marcantes de New York, New York é a que chamamos de trem: uma projeção na tela mostra os trilhos de um trem e os sapateadores fazem o som da máquina. O público vem abaixo. Como foi criá-la?

Kika: Foi muito simples. Segundo o Possi e a minha assistente Glaucia da Fonseca, eu vinha falando de um trem que queria fazer, mas não me lembro disso (risos) e de repente tinha nas mãos o desafio de tirar os bailarinos de cena sapateando. Foi aí que o trem veio, simples assim. O resultado do som se completa com a projeção atrás dos intérpretes.

Você é professora de sapateado americano. Como está este cenário no Brasil hoje?

Kika: Bastante diversificado. Se for pensar só no mundo do tap, sapateadores, bailarinos sapateadores, brasilian tap, é pequeno e amplo ao mesmo tempo. Pequeno por ter poucas pessoas capazes de atuar e transformar o sapateado em dança. Amplo, pois alunos e professores adoram se apresentar, então é o que vemos em festivais, mostras. Assim temos a sensação de termos muitos sapateadores. Nos musicais a participação do estilo ainda é pequena, por isso a dificuldade de bailarinos sapateadores. O investimento do bailarino é uma escolha, então não podemos exigir que saibam tudo, afinal o custo se torna caro e infelizmente os bailarinos sobrevivem na maioria das vezes de dar aulas.

Hoje o sapateado continua o mesmo na sua essência. Não vejo gênios no cenário brasileiro e nem grandes coreógrafos, só consigo ver diferentes ideias dentro de um contexto já conhecido por mim há muitos anos. Mas fico feliz de ver o sapateado ainda em destaque, devido aos intercâmbios feitos por algumas escolas.

O Trem, cena de New York, New York |
Foto: Divulgação

Você dirige a KS – Companhia de Sapateado que reúne grandes nomes do estilo no país. A KS é um sonho realizado ou ele ainda falta algo nesse caminho?

Kika: A KS é um sonho inacabado. Este ano foi mais difícil porque os integrantes estão em momentos diferentes de vida e não conseguimos nos reunir ainda. É evidente que a falta de patrocínio desanima, uma vez que tenho que bancar o mínimo para a companhia. Então estamos em fase de amadurecimento e pensando quais serão os nossos “Novos Caminhos”. O que tem de ficar claro é: não existem companhias de sapateado no Brasil com patrocínio e que possam literalmente dizer que vivem disso. Eu, pelo menos, não conheço ninguém que fique sapateando oito horas por dia ou fique trancada numa sala fazendo suas pesquisas e discutindo com figurinistas e coreógrafos. Encontrar-se com alunos algumas horas por semana, criar coreografias e dizer que são uma companhia tem uma porção. O que não é ruim, mas infelizmente estas pessoas não podem se considerar uma companhia ou mesmo coreógrafos. São grupos de sapateado com bons criadores a fim de dançar e isto é bom também, mas é preciso ter esta consciência.

RD – Você acredita na dança...

Kika: Eu amo a dança. Estudei parte da minha vida para ensinar algo que sempre acreditei. Continuo aprendendo com os jovens, assistindo a balés, indo a exposições e lendo bons livros. A idade nos traz a paz do conhecimento. Ainda dou aulas com muito prazer, é isto que sei fazer. Só fico muito magoada quando ainda tenho de provar que não morri e existo com grande orgulho de ter conquistado um espaço neste pequeno mundo dançante. Talvez esse seja o motivo de a cena do Trem (do musical New York, New York) ser aplaudido durante o espetáculo. Talvez ela conte a minha trajetória artística: chego devagar, vou crescendo, fico veloz e continuo caminhando, paro nas estações, mas continuo caminhando...

Célia Gouvêa entre suas memórias

2011-05-24T22:06:00.000-03:00

Por Flávia Fontes Oliveira

Célia Gouvêa em retrato de Maurice Vaneau | Foto: Divulgação

Dia 26 de maio, como parte do programa Figuras da Dança*, desenvolvido pela São Paulo Companhia de Dança, Célia Gouvêa revê sua trajetória de artista da dança. Não foram muitos os que conseguiram reunir multiplicidade artística com tamanha desenvoltura como ela fez. Foi da primeira turma do Mudra, a escola de Maurice Béjart, na Bélgica, no início da década de 1970.

Ao lado de Maurice Vaneau (1926 - 2007), seu companheiro durante décadas, criou obras divisórias na dança brasileira, como Caminhada, de 1974, cujo humor e agudeza na dramaturgia sinalizaram para o que seria a atuação do Teatro Galpão – espaço fundamental da dança paulista que funcionou de 1975-1980.

Célia Gouvêa continua inovadora porque é incansavelmente inquieta. Ela gosta de criar, gosta de pensar a cena, pensar o corpo, a cidade. Há algum tempo, fiz um comentário sobre seu trabalho Corpo Incrustado, de 2007, e a relação com a cidade e a música. Seu trânsito e compromisso com as linguagens escolhidas enriquecem seu modo de ver e fazer arte. Quem puder, vale a pena ver o que ela tem a dizer.

*Veja a programação aqui

Programe-se

2011-05-24T17:39:00.003-03:00

Para esquentar a semana. Dicas pelo Brasil.

1 – DEPOIMENTO PÚBLICO CÉLIA GOUVÊA, São Paulo Companhia de Dança (São Paulo. Célia Gouvêa revisita sua carreira em depoimento público a Inês Bogéa e será usado como referência para o documentário da artista. O evento faz parte do programa Figuras da Dança, que já tem mais 15 filmes editados e distribuídos para todo Brasil.

Classificação: livre.

Auditório Franco Zampari

Avenida Tiradentes, 4511 – ao lado do Metrô Tiradentes

Dia 26, 20h

Ingresso: gratuito. Inscrição: memória@spcd.com.br

2 - TRILHA, Grupo Dans la Danse (Araras). Dirigido por Gisele Bellot, o grupo apresenta a coreografia Trilha selecionada pelo ProAC, Programa de Ação

Cultural - Apoio a novas produções de dança no Estado de São Paulo 2010.

Classificação: livre

Teatro Maestro Francisco Paulo Russo

Av. Dona Renata, 401

Dia 28, 20h

Ingressos: R$5,00

3 - NEW YORK, NEW YORK - O MUSICAL (São Paulo). Produção inédita, adaptação do livro homônimo de Earl Mac Rauch, de 1977, e narra a história de amor entre a cantora Francine Evans e o saxofonista Johnny Boyle. Ambientada na América do pós-guerra, o musical tem direção de José Possi Neto, com os atores Alessandra Maestrini e Juan Alba, com participações especiais da atriz/cantora Simone Gutierrez e da cantora Julianne Daud. No elenco, 13 bailarinos, 16 atores/cantores, 25 músicos.

Classificação: 12 anos.

Teatro Bradesco

Rua Turiassu, 2100

Piso Perdizes do Bourbon Shopping - São Paulo

Horário: Qui. 21h, Sex. 21h30min, Sáb. 17h e 21h, Dom. 19h

Ingressos: de R$ 20,00 a R$ 170,00

4 – TATYANA, Cia de Dança Deborah Colker (Rio de Janeiro). Estreia oficial da nova coreografia, baseada no romance Evguêni Oniéguin, de Aleksandr Púchkin (1799-1837).

Classificação: livre

Theatro Municipal do Rio de Janeiro

Rua Manuel Carvalho - Centro

Dias 25, 26 e 27, 21h | dia 28, 1h e 21h | dia 29 17h

Ingressos: R$ 10,00 e R$ 20,00

Um olhar sobre Balanchine-Robbins

2011-05-23T14:05:00.001-03:00

Apollo, de Balanchine | Divulgação

Por Marcela Benvegnu, de Nova York

O David H. Koch Theatre, no Metropolian Opera House, em Nova York, estava completamente lotado na última quarta-feira, dia 18. Óbvio. Não é sempre que o New York City Ballet (NYCB) coloca lado a lado, em um único programa, obras de seus dois coreógrafos fundadores: George Balanchine (1904-1983) e Jerome Robbins (1918-1998) - a companhia foi fundada por Balanchine e Lincoln Kirstein (1907-1996). De Balanchine apresentaram Apollo (1928) e La Sonnambula (1946), de Robbins Afternoon of a Faun (1953) e Antique Epigraphs (1984). Resumindo: mais do que um programa de primeira, na verdade, um motivo para se entender um pouco mais de história da dança.

Pouco antes da apresentação, um grupo de aproximadamente 50 pessoas participou do que eles titulam de painel de discussão, um projeto de formação de plateia no qual, por aproximadamente 15 minutos, um representante do NYCB apresenta detalhes dos programas da noite. A ação criada há muitos anos pela Companhia pretende que o público não assista somente uma sequência de passos, mas entenda cada obra dentro de seu contexto histórico e possa criar diálogos entre os programas da companhia.

Criada com o nome de Apollon Musagète para os Balés Russes, de Sergei Diaghilev (1872-1929), com música de Igor Stravinsky (1882-1971), Apollo é o mais antigo balé de Balanchine presente no repertório do New York City Ballet – a companhia o estreou em 1951. Os bailarinos o executam com propriedade, os corpos têm o idioma Balanchine; logo, a movimentação é natural. Balanchine dialogava o tempo todo entre o simples e o complexo. Uma de suas marcas: a guirlanda de corpos e braços em quinta posição está presente nas torções e inclinações dos intérpretes. As bailarinas são precisas, mas Chase Finlay (Apollo) é quem nos imobiliza. Sua força cênica faz com que os olhos se percam.

Antique Epigraphs, de Robbins | Divulgação

Ainda de Balanchine, La Sonnambula nos leva para o mundo dos musicais. Ao assistir a esta obra, podemos entender hoje como muitas coisas se articulam na cena e como reproduzimos formas coreográficas, às vezes, sem saber de onde elas vêm. Balanchine coreografou este balé em 1946 – com o nome de Night Shadow – para o Ballet Russe de Monte Carlo sobre a música de Vittorio Rieti, baseada nas óperas de Vicenzo Bellini. A peça estreou pelo NYCB em 1960. A história de mistério e de amor entre uma sonâmbula e um poeta é um verdadeiro baile, com direito a minueto, dança de pares e palco lotado por bailarinos impecáveis em técnica. Os cenários e figurinos de Alain Vaes chamam atenção pela beleza, e a intensidade de luz de Mark Stanley dá à coreografia a dramaturgia de cada momento da cena. Um detalhe que chama atenção e faz diferença no resultado: os pés esticados dos bailarinos nos sapatos de salto e a beleza no acabamento dos movimentos. Pela tradição NYCB, não poderia ser diferente.

No meio das peças de Balanchine, como um convite ao estudo da vida de Jerome Robbins, foram apresentadas, respectivamente: Afternoon of a Faun e Antique Epigraphs. A releitura de Robbins para Prèlude à L’aprés-midi d’un Faune (1912), de Vaslav Nijinsky (1890-1950), sobre música homônima de Claude Debussy (1862-1918) é primorosa. Se Nijinsky chocou Paris na época de sua criação por levar ao palco um balé em que o erotismo estava presente, Robbins fez exatamente o contrário. Ele leva o enredo para dentro da sala de ensaio, reconstruída na caixa-preta por Jean Rosenthal, na qual os espelhos são grandes janelas azuis, um fauno (Craig Hall) delicado e contido, que sonha com um amor impossível. Sua ninfa é uma bailarina (Janie Taylor) de cabelos longos e soltos, que dança para ele e com ele. Os intérpretes são longilíneos e, sobretudo, técnicos e o pas de deux é tão bem construído que os oito minutos passam como se fossem segundos.

La Sonnambula, de Balanchine
Divulgação

Mais do que Afternoon of a Faun, Antique Epigraphs dialoga de forma direta com o fauno de Nijinsky por conta dos movimentos lembrarem imagens dos frisos gregos – a a versão do fauno de 1912 foi inspirada nos frisos dos vasos gregos e nas imagens egípcias do Museu do Louvre. Este balé, também com música de Debussy, teve a música inspirada num poema (outra semelhança com a composição do fauno de Nijinsky, criada por conta do poema de Sthéphane Mallarmé) grego chamado Songs of Bilitis. O conjunto de oito intérpretes é forte. O movimento delineado dos braços chama atenção pela limpeza e também pela sincronia. Mais interessante é ver como Robbins transitava entre diferentes estilos de movimento sem choques – isso lhe garantiu grande reconhecimento e sua versatilidade passou a ser admirada. Ele, por exemplo, coreografou West Side Story, um dos grandes musicais da Broadway, em cartaz até hoje, no qual se configura como um grande corógrafo de jazz. Uma suíte deste musical será apresentada pelo NYCB na semana que vem num programa somente dedicado ao coreógrafo. Ah, sim. O NYCB faz jazz, tem aulas de jazz, ou melhor, dança jazz (também).

Nessa noite, mais do que o detalhe do movimento, o que salta aos olhos é a história. É preciso dizer que o programa do NYCB (a famosa revista chamada de Playbill) é o mais completo de todos do circuito da dança americana deste segmento por trazer a biografia dos coreógrafos e fundadores com datas de nascimento e morte e também a história contextualizada de cada uma das obras apresentadas. Muitas companhias apresentam Balanchine e Robbins, mas é preciso que o passado sobrevive e se reinventa no presente. É bom olhar para trás.

Entre o ABT de Herrera e Carreño: uma companhia jovem

2011-05-19T14:55:00.002-03:00

Por Marcela Benvegnu, de Nova York

Paloma Herrera entrou para o corpo de baile do American Ballet Theatre (ABT) aos 15 anos. Tornou-se solista aos 17, primeira-bailarina aos 19. Hoje, aos 35, ela sobe ao palco do Metropolitan Opera House, em Nova York, para comemorar 25 anos de carreira no ABT interpretando um dos mais famosos clássicos de repertório de todos os tempos: Dom Quixote, coreografia de Marius Petipa (1818-1910) e música de Ludwig Minkus (1826–1917). A noite de comemoração aconteceu na última terça-feira, 17 de maio.

Herrera dá vida a uma Kitri madura, o que faz determinadas cenas ganharem dramaticidade. Em contraponto, tem um toque de afetação que talvez possa ser relevado pela própria comemoração. A noite era dela e para ela. Dona de uma técnica de extrema qualidade, de linhas de pés e pernas perfeitas, ela abusa das sustentações e brinca com os giros e equilíbrios. Fica simples girar 24 fouetées sem titubear.

Nesta apresentação, José Manuel Carreño interpretou Basílio. Se a festa não fosse para Herrera, com certeza poderia ser para ele. Seus saltos congelavam no ar e suas sequências de 11 piruetas eram tão seguras que em alguns momentos ele ralentava o movimento de propósito. A orquestra regida Ormsby Wilkins o esperou em pausa para não perder o andamento.

Se por um lado Herrera e Carreños se destacam pela maturidade, o atual elenco do ABT (vale lembrar que um dos solistas da companhia é o brasileiro Marcelo Gomes) é jovem em todos os sentidos: idade, técnica e, sobretudo, dramaticidade. O corpo de baile contrasta com os solistas. Falta um pouco de harmonia nesse intervalo entre os grandes e o que vem por aí.

Quem chama atenção é Joseph Phillips, como o chefe do acampamento cigano, e Sarah Lane, como cupido. A variação de Phillips, remontada por Kevin McKenzie, diretor artístico do ABT, mostra toda sua versatilidade, força técnica e cênica. Ele é impecável. E a veloz e precisa Lane faz com que a plateia se arrume na cadeira para poder ver como ela é uma grande bailarina, mesmo tendo baixa estatura.

Impecável também foram os cenários assinados por Santo Loquasto. No terceiro ato, quando acontece o casamento entre Basílio e Kitri, dá vontade de pedir para que os bailarinos fiquem parados para poder olhar cada detalhe da vila retratada. Um exemplo é um tapete pendurado no teto ou mesmo a sujeira do telhado. Os figurinos, também de Loquasto, apesar de apresentarem cores muito vibrantes, tipicamente americanas, são trabalhados cuidadosamente em sua releitura. O vestido das sequidillas, com saia dupla pouco abaixo dos joelhos e levemente brilhante, é uma das mais lindas peças. Para completar, uma de suas mais importantes estrelas: a luz, de Natasha Katz. O desenho na cena era puro movimento. Coreografia de cores e climas que ajudaram – e muito – a plateia entrar na história.

O ABT trouxe ao palco um clássico, com os solistas “clássicos”, mas que precisa tornar homogêneo, ao menos nesta obra, o seu corpo de baile, ou seja, aqueles que fazem com que esses grandes nomes apareçam.

naBolsa | Tatiana Campani Klinger

2011-05-19T10:11:00.000-03:00

Por Marcela Benvegnu

Estudos teóricos + professora de dança = Tatiana Campani Klinger | Foto: Eugênia Klinger

“Batom, gloss, escova, uma latinha com vários elásticos e presilhas de cabelo, escova e pasta de dentes, espelhinho, óculos de sombra, celular, um pen drive, carteira, um par de meias com anti-derrapante por causa do pilates. As sapatilhas ficam na academia, pois tenho um armário lá.”

Tatiana Campani Klinger, 31, é bailarina. Pós-graduada em Estudos Contemporâneos em Dança pela UFBa e graduada em dança pela Faculdade de Artes do Paraná, FAP. É professora de balé clássico, contemporâneo e jazz da Academia Ensaio, de Rio Grande, Rio Grande do Sul. Também é instrutora de Pilates pelo Phisycalmind Institute.

Dois olhares sobre Green Door | Videodança

2011-05-18T14:44:00.000-03:00

http://vimeo.com/21893600

Vale a pena assistir a este videodança de Neda Ponzoni, Renzo Vasquez e Silvia Razuk. Infelizmente, ele não está no YouTube e não podemos postá-lo aqui, porém você pode conhecer os nossos olhares abaixo. Vale a pena ver.

Por Flávia Fontes Oliveira

Neste pequeno vídeo de dança, Green Door, um desafio, um vídeo-coreografia. Com recurso da edição, da fotografia e, claro, das intérpretes, ele dança. Isso me pareceu o mais interessante, nos espaços dos corpos, a cidade dança, participa dos intervalos, continuando o movimento.

Por Marcela Benvengu

Antes da imagem e do corpo, ou seja, antes do videodança: a música. É ela quem pontua a intensidade do movimento e de seus cortes em Green Door. A delicadeza do gesto. A mão. Os olhos. Ouvidos. A boca. Um toque. Pausa que se movimenta. Sinal de acesso. Porta para liberdade. Sentidos.

Qual foi sua maior alegria na dança? Por quê?

2011-05-18T10:40:00.003-03:00

Foram alguns raros e importantes momentos, quando entrei em especial conexão com o que dançava. Arrisco a concordar que a dança deve ser improvisada, deve mover-se antes da escrita. Quanto mais a fixamos, menos ela acontece a favor da sua “materialidade”.

Ainda sim, no dia a dia, busco por um estado de plenitude dentro desta escritura rígida. Acredito ser o desejo de todo bailarino atingir este estado. Por instantes de conexão que consigam ir além do mapa fixo e repetitivo que é uma coreografia. Acho determinante a conjugação de técnica, intuição e acaso nessa busca utópica e necessária.

Carolina Amares, 26, é bailarina do Grupo Corpo, dançou na DeAnima Ballet Contemporâneo, na Cia de Dança Deborah Colker e na São Paulo Companhia de Dança. Ela topou participar dessa série de peguntas para balarinos e artistas da dança. Foi a primeira. Sua desenvoltura, no palco e nas palavras, mostra as razões da escolha para inaugurar o espaço.

Carolina Amares na primeira audição da
São Paulo Companhia de Dança Divulgação SPCD

Sapateado o mês inteiro

2011-05-15T21:28:00.005-03:00

Por Marcela Benvegnu

Bill Bojangles: o sapateado na meia-ponta | Divulgação

Uma particularidade nessa nossa possível história da dança é que temos um dia para olhar (e comemorar) o tap dance, ou seja, o sapateado. A data do dia 25 de maio foi escolhida por ser o aniversário de Bill Bojangles Robinson (1878-1949), o precursor do estilo.
A contribuição de Bojangles para o sapateado foi muito valiosa e específica: ele levou o estilo para a meia-ponta, trazendo aos palcos uma leveza e clareza jamais vistas na tradição dos hooffers que dançavam com os pés inteiros no chão. Ele nasceu em Richmond, Virgínia, e, em 1898, mudou-se para Nova York. Aos 31 anos ,foi reconhecido e contratado pela produção do show Blackbirds, no qual apresentava um número em que subia e descia uma escada sapateando. Mais tarde esse seria o marco de sua carreira.
Com o sucesso de Blackbirds, tornou-se respeitado e passou a ser o primeiro negro a conquistar um papel na Broadway, em 1930, com o musical Brown Buddies. Ele também conquistou Hollywood (em 1932), onde liderou o primeiro casal interacial da história do cinema americano, contracenando com Shirley Temple, em The Little Colonel.
Nos Estados Unidos, maio é um mês em que se pode escolher quais apresentações, jams ou performances de tapdance quer ver. E no Brasil isso está virando tradição. A data aqui também é comemorada em grande estilo e, sobretudo, virou lei em 2007, passando a integrar o calendário das comemorações do Estado de São Paulo. A Lei nº14.347/07 do município de São Paulo reconhece o Dia Internacional do Sapateado no Brasil, bem como suas comemorações com destaque para o Sapateia São Paulo, da sapateadora, coreógrafa e musicista Christiane Matallo.

Confira alguns eventos que serão realizados no Brasil para comemorar a data:

- Semana do Tap do Uai Q Dança | De 19 a 25 de maio | Uberlândia – MG | Aulas com: Caio Nunes, Giordano Pagotti, Kika Sampaio, Juliana Garcia, Leonardo Sandoval e Thiago Marcelino. Organização: Fernanda Bevilaqua. Mais informações pelo: http://www.danceuai.blogspot.com/

- Sorocaba Tap | De 27 a 29 de maio | Sorocaba – SP | Aulas com: Gisella Martins, Juliana Garcia e Roberta Forte e noite de apresentações e críticas. Organização: Iara Ramos. Mais informações: http://www.athenasacademia.com.br/

- Sá Pateia Brasília | De 27 a 29 de maio | Brasília – DF | Aulas com: Erick Gurierrez, além de apresentações, palestras e sessão de vídeo. Organização: Samanta Lemes. Mais informações: http://www.studiosapateia.blogspot.com/

- Sapateia São Paulo | Dias 18 e 19 de junho | São Paulo – SP | Aulas com: Samuel Faez, Cinthia Villas Boas, Patrícia Stellet e Luizz Baldijão, além de apresentações no parque do Ibirapuera. Organização: Christiane Matallo. Mais informações:http://www.christiane-matallo.com.br/

Comentários sobre o Balé da Cidade de São Paulo

2011-05-13T21:13:00.005-03:00

Por Flávia Fontes Oliveira

Cena de Paraíso Perdido | Divulgação

Em um de seus livros, Afterimages (Knopf, 1977), a crítica de dança americana Arlene Croce lembra que o crítico de dança leva de um espetáculo impressões que foram assimilados por seus órgãos de sentido. Eles não gravam fatos, ela frisa. Fiquei com a ideia em mente por conta do novo espetáculo do Balé da Cidade de São Paulo, Paraíso Perdido, do grego Andonis Foniadakis, que estreou no Sesc Vila Mariana, dia 5 de maio, por conta das percepções causadas por ele.

Ao partir dos quadros de pinturas de Hieronymus Bosch (1450-1516), Foniadakis procurou absorver a atmosfera das obras, assumindo o excessivo uso de elementos do pintor. Para isso, coloca intensidade e volume nas cenas, em que o profano e o religioso se debatem, por vezes, vertiginosamente.

Foniadakis é um encenador de olhar agudo, desenha o palco com o um grupo grande, cerca de 30 bailarinos, intercalando com momentos de duos, trios, solos. É um balé rápido e, nesse sentido, virtuoso. Os movimentos são, em grande medida, impulsionados pelos braços e exigem qualidade na execução. Não pode haver qualquer resquício de insegurança para tamanha agilidade. Não há esforço desnecessário para este elenco renovado, que se vê no desafio de criar um corpo para a nova gestão. E eles dão o recado.

Nos 50 minutos de espetáculos, um tanto longos (o impacto seria provavelmente mais forte em menos tempo), bailarinos entram e saem da cena com a aflição do pecado. E essa aflição não cabe em silêncios, mistura-se a tensões sensuais, brutas e gritos. Quadro a quadro, encontramos nas cenas as referências a Bosch, com jogo de iluminação e figurinos, estes assinados por João Pimenta.

Uma coreografia contemporânea, como previa a nova diretora, Lara Pinheiro, utilizando o corpo em sua potencialidade de ferramenta. E no fim nos despedimos com essa sensação, que escapa um pouco pela entrada de figurinos pratas. Uma miragem?

Instante da dança III

2011-05-10T13:12:00.012-03:00

Por Flávia Fontes Oliveira

Quem conhece as fotos de João Caldas sabe que elas primam pela delicada combinação entre nitidez e emoção da cena. Ele, que coloca como ponto fundamental de sua carreira o encontro com os artistas da encenação de Clara Crocodilo, em 1981, a partir da trilha de Arrigo Barnabé e direção de Lala Deheinzelin, gosta dos desafios do palco, quando espetáculos se aproximam de várias linguagens, como IRIBIRI (1982), dirigido e concebido por Francisco Medeiros, José Rubens Siqueira e Sônia Mota, para a Cisne Negro Cia de Dança, em suas palavras “uma experiência nova e desafiadora de misturar teatro e dança”.

Trabalhou como fotógrafo no Centro Cultural São Paulo, documentando as áreas de Artes Cênicas e Artes Plásticas, o que lhe garantiu prática de fotografia de palco. Também foi repórter fotográfico do jornal Folha de S.Paulo, de 1985 a 1987, onde passou por todas as editorias.

Há mais de 20 anos, trabalha em seu estúdio, em São Paulo. Fotografa regularmente para alguns artistas e companhias de dança como a São Paulo Companhia de Dança, Célia Gouvea, Marta Soares, entre outros.

Mesmo sem conhecê-lo, muitos já viram suas fotos de dança espalhadas em catágolos, programas e jornais ao longo de mais de 30 anos de trabalho. Dando sequência às entrevistas com estes profissionais que alimentam a cena brasileira, ele conta um pouco sobre seu olhar e a dança.

Cena de Clara Crocodilo, 1981,
especial na carreira do fotógrafo

O que te seduziu para começar a fotografar dança?

Na verdade, o que me seduz é o palco e tudo o que acontece nele. O marco da minha carreira de fotógrafo de palco foi em julho de 1981, na estreia do espetáculo Clara Crocodilo, dirigido por Lala Deheinzelin, que considero um espetáculo completo, pois tinha dança, teatro, música e performance. Conheci e acompanhei o trabalho do Klauss Vianna que fazia a coreografia e toda a preparação corporal do elenco. No Clara Crocodilo fiz parte da equipe e participei do processo de criação e montagem graças ao meu irmão e ator Renato Caldas, que era parte do elenco e me convidou para fotografar a montagem. Participar deste espetáculo marcante mudou minha vida, fiquei “contaminado” pelo palco, pelo teatro e pela dança.

Na dança, o que é preciso captar além do movimento?

A emoção e o sentimento ao assistir o espetáculo ao vivo no teatro, esse é um grande desafio da fotografia de dança. É difícil captar o movimento e, na foto de dança, é fundamental que o fotógrafo, além de ter capacidade técnica de fazer um bom registro, ele conheça a dança. É preciso entender a coreografia, escutar a música e ter o mesmo ritmo dos bailarinos. O tempo da foto de dança leva algum tempo para aprender, o fotógrafo também precisa treinar, ensaiar e repetir, repetir, repetir. Conhecer os movimentos, os passos e a própria coreografia ajudam muito, tudo isso aliado ao domínio técnico do equipamento fotográfico e de todos os recursos que ele oferece.

A lente transforma a dança?

Prefiro pensar que a fotografia transforma a dança e que o fotógrafo e sua lente recortam a dança em fragmentos que tentam representar o todo do espetáculo. A dança é que transforma o espectador. A energia, a potência dos bailarinos, a delicadeza e a beleza das bailarinas com a música e a luz deixam a alma do espectador leve e admirada.

Dirigirdo por Lala Deheinzelin, Clara Crocodilo
unia teatro, música, dança e performance

Outros olhares sobre a dança e a fotografia em Instante da dança I, com Sílvia Machado, e Instante da dança II, com Arnaldo J.G. Torres.

Giselle 3D: para formar plateias

2011-05-07T23:28:00.021-03:00

Natalia Osipova e Leonid Sarafanov em Giselle | Divulgação

Por Marcela Benvegnu

Renato* deve ter uns 35 anos. Talvez ele nunca tenha visto um balé de repertório ao vivo, porém, era uma das mais de 350 pessoas que lotavam a sala 5, do Shopping Jardim Sul, em São Paulo, na tarde de hoje. Apesar de não ter noção alguma da história, ele pagou R$ 60 para assistir a um balé no cinema. Sim, no cinema. A UCI trouxe exclusivamente para o Brasil o primeiro balé em terceira dimensão do mundo: Giselle 3D, que fica em cartaz somente até amanhã, domingo, 8, com interpretação da Companhia do Teatro Mariinsky, tendo como solistas Natalia Osipova e Leonid Sarafanov e direção artística de Valery Gergiev.

Fator interessante nessa nova forma de divulgar a dança (se é assim que podemos chamar) é o público que valida o preço e esgota os ingressos da atração. A plateia quer conhecer a dança motivada pela inovação do 3D. Mas a dança é mais forte do que a inovação, caso contrário, o público poderia optar por assistir Rio, de Carlos Saldanha, também 3D e em cartaz nos cinemas. Por falar na versão, ela é realmente fascinante. A sensação que o espectador tem é de estar sentado no palco assistindo ao balé do lado das intérpretes. Os detalhes saltam aos olhos.

Renato falou durante todo o filme e, se os seus comentários não fossem interessantes, talvez ele tivesse incomodado (e muito) quem estava ao seu lado. Sua grande preocupação era descobrir o nome da companhia que estava dançando e se Giselle estava ou não morta no segundo ato. Impossível não prestar atenção para tentar entender a forma como ele iria interpretar uma das maiores obras de repertório do mundo sem conhecê-la.

Ele também ficou impressionado com a sequência clássica do segundo ato do balé, no qual as bailarinas atravessam o palco por meio de arabesques. “A perna delas fica dura”, comentou com a namorada. E entre tentativas de descobrir a narrativa e entender a pantomima, no final ele disse para ela: “Agora temos que ver ao vivo”. Pronto, estava aí a missão cumprida do filme-balé. Formar plateia para dança. A história estava agora em segundo plano porque o que o balé conseguiu foi incitar sua vontade em ir a uma sala de espetáculo para assistir dança ao vivo, independentemente do estilo, e, na maioria dos casos, pagando muito mais barato.

Natalia Osipova em Giselle | Divulgação

A INTERPRETAÇÃO – A safra de novos solistas do Mariinsky está cada vez mais jovem e forte. Quem viu Natalia Osipova, em Dom Quixote, no Festival de Dança de Joinville (a crítica que escrevi na época pode ser lida aqui) em 2008, se surpreende com ela em Giselle. Seu modo afetado e ainda juvenil deu lugar a uma personagem com carga dramática de peso. A jovem de 26 anos se revelou uma bailarina expressiva e tecnicamente bem trabalhada. Sua cena da loucura (no primeiro ato do balé) chama atenção pela interpretação. Ela, que entrou no Bolshoi em 2004 como integrante do corpo de baile, é hoje uma das primeiras-bailarinas da companhia.

Osipova se sobressai também por conta do bom partner, Leonid Sarafanov, que interpreta Albrecht. O jovem bailarino se formou pela Kiev State School of Choreography e entrou no Mariinsky em 2002. Com uma técnica impecável, suas baterias e variações fazem o espectador ajustar o óculos 3D para realmente ter a certeza de estar vendo aquilo. Sarafanov é preciso, fluído e o tempo vai lhe dar uma interpretação um pouco mais madura. O corpo de baile fez jus ao nome da companhia. Um único e grande corpo na cena. Infelizmente nos créditos finais do filme, o nome dessas bailarinas não aparece e não se sabe ali, quem é quem.

O BALÉ – Giselle é um balé do período romântico, que foi coreografado por Jules Perrot (1810-1892) e Jean Coralli (1779-1854), com música de Adolphe Adam (1803-1856) e libreto de Théophile Gautier (1811-1872). Estreou em 1841, em Paris, e é dividido em dois atos, nos quais o realismo cotidiano dialoga com seres imateriais. O primeiro ato apresenta Giselle, uma jovem que vive em um vilarejo nos campos da França com sua mãe Bertha e, apesar de namorar Hilarion, se apaixona por Albrecht, um nobre disfarçado de camponês. Quando descobre a mentira, Giselle fica inconsolável e morre. No segundo ato, o amor eterno da garota pelo nobre, que a noite visita seu túmulo, o salva de ter seu espírito tomado pelas willis, que são as mulheres que morreram antes do dia de seus casamentos. Sempre que um rapaz se aproxima, elas o obrigam a dançar até a morte. Na vez de Albrecht, Giselle dança em seu lugar, quebra o encanto das willis e o perdoa.

*Renato é um nome fictício, porém, a situação foi real.

Joinville em Paulínia

2011-05-05T18:49:00.002-03:00

Por Marcela Benvegnu

Vencedor clássico em 2010
Foto: Divulgação | Alceu Bett

Outubro com cara de julho. Talvez seja assim a nova ação criada pelo Festival de Dança de Joinville que este ano chega à sua 29ª edição. Entre 12 e 16 de outubro, acontece em Paulínia, o Festival de Dança de Joinville em Paulínia – Grand Prix Brasil. Serão cinco noites, abertura, três de competições e uma dos campeões, na qual os premiados em 1º, 2º e 3º lugares em todos os gêneros no Festival de 2011, que acontece entre 20 e 30 de julho, terão oportunidade de disputar outro grande prêmio: o melhor entre os melhores de Joinville.

O modelo não será diferente do grande festival. O Prix acontecerá no palco do Theatro Municipal de Paulínia e terá um júri composto por importantes nomes da dança, além de workshops, Feira da Sapatilha e apresentações em Palcos Abertos. Os vencedores do Prix terão vaga garantida no próximo Festival de Dança de Joinville, com todas as despesas pagas. Pelo visto, os 30 anos do Festival prometem surpresas.

O Festival de Dança de Joinville em Paulínia – Grand Prix Brasil é uma parceria do Instituto Festival de Dança de Joinville, do projeto Paulínia ao Vivo e da Secretaria de Cultura de Paulínia.

Viagem ao Paraíso Perdido

2011-05-04T15:45:00.005-03:00

Por Flávia Fontes Oliveira

Cena de Paraíso Perdido, de Andonis
Foto: divulgação | Jorge Etecheber

A primeira estreia do ano do Balé da Cidade de São Paulo equilibra desafio técnico e artístico na proposta do coreógrafo grego Andonis Foniadakis. Paraíso Perdido teve como ponto de partida as pinturas de Hieronymus Bosch (1450-1516) e será apresentada no Sesc Vila Mariana, entre os dias 5 e 8 de maio, com um elenco de 30 bailarinos.

Foniadakis trabalha com a companhia pela primeira vez e trouxe uma linguagem que exigiu bastante do grupo. “É uma linguagem de movimentos extremamente fluidos, fluxos, que não identifica acentos ou formas”, diz Lara Pinheiro, diretora artística do Balé da Cidade. Ela ainda completa que não há nenhum movimento óbvio e, por isso, as sequências precisam de lapidação o tempo inteiro. É uma criação que exige “qualidade, para além da técnica”, nas suas palavras.

De Bosch, Foniadakis trouxe o despertar de sentidos de suas criações, que usa engenhosa pintura, com ilustrações complexas, de sugestões sensuais, para tratar, em grande parte, de conceitos e moral religiosas. Há sempre abundância de cenas, cores e dualidades em suas obras mais famosas como O Jardim das Delícias Terrenas (1504, aproximadamente).

O coreógrafo trabalhou com a companhia cerca de cinco meses, entre setembro e outubro, em 2010, e este ano de fevereiro a abril. Se de um lado os bailarinos se entregaram ao novo trabalho, para o coreógrafo também é a possibilidade de desenvolver a própria linguagem. Para Lara Pinheiro, essa montagem permitiu essa troca entre os lados e enriqueceu as duas partes.

Obra de Bosch O Jardim das Delícias Terrenas

Com esta estreia, o Balé da Cidade também procura consolidar o trabalho da nova direção, que assumiu ano passado, em meio a crises de corte de verba e troca de gestão (importante lembrar que não é situação singular da dança, outras áreas também passam por mudanças, questionamentos sobre suas funções, cortes de verbas). Lara lembra que todo novo diretor “ajuda a escrever um capítulo da história do Balé da Cidade”; ela e sua equipe começam a imprimir um modo de olhar a dança. Paraíso Perdido, nesse sentido, na opinião da diretora, é muito mais ousado, arrisca mais na linguagem sem deixar de lado o rigor e a excelência do grupo. Em julho, estão previstas duas novas estreias, uma do português João Mesquista e outra da própria diretora.

Serviço:
Veja em Programe-se

Programe-se

2011-05-03T20:59:00.002-03:00

Para começar maio com o pé direito. Dicas pelo Brasil.

1 - PARAÍSO PERDIDO, Balé da Cidade de São Paulo (São Paulo). Espetáculo inédito da companhia, do grego Andonis Foniadakis, e tem como referência as pinturas de Bosh.

Classificação: não recomendado para menores de 16 anos.

Sesc Vila Mariana Teatro

R. Pelotas, 141 - Vila Mariana. Telefone: 11-5080-3000.

Dias 5, 6 e 7, 21h | Dia 8, 18h

Ingresso: R$ 6 a R$ 24.

2 - NÚCLEOS, de João Saldanha (Rio de Janeiro). Espetáculo em comemoração aos 25 anos do Atelier de Coreografia. Inspirado no universo da arquitetura moderna brasileira e nas experimentações de Hélio Oiticica, que levou a pintura do quadro para o espaço. Classificação: 16 anos.

Espaço Sesc.

Rua Domingos Ferreira, 160, Copacabana. Telefone 21-2547-0156.

Dias 5 e 8 | Dias 6 e 7, 21h30.

Ingresso: R$ 16,00

3 - POL VAQUERO (Rio De Janeiro). Bailarino de flamenco faz duas apresentações na cidade acompanhado pelo também dançarino Isaac de los Reyes e pelo cantor Juañares, além de instrumentistas e coro

Classificação: livre.

Teatro Maison de France

Avenida Presidente Antônio Carlos, 58, Centro. Telefone: 21-2544-2533.

Dia 4, 19h30.

Ingresso: R$ 90,00.

4 - SÃO PAULO COMPANHIA DE DANÇA (Salvador). A Companhia paulista faz duas apresentações com quatro coreografias de seu repertório: Legend, de John Cranko, Inquieto, de Henrique Rodovalho, Prélude à l´Après-midi d’ un Faune, de Marie Chouinard, e Sechs Tanze, de Jíri Kylian.

Classificação: livre

Teatro Castro Alves

Praça Dois de Julho,s/n, Campo Grande. Telefone: 71- 3535-0600

Dias 6 e 7, 21h

Ingressos: R$ 20,00

Atividades paralelas: dia 6, às 15h, Espetáculo aberto para estudantes; dia 7, às 10 horas, Oficinas (técnica de Balé Clássico e técnica de Martha Graham) para bailarinos e coreógrafos acima de 14 anos com experiência em dança. Inscrições gratuitas pelo site: www.saopaulocompanhiadedanca.art.br

5 - BIENAL SESC DE DANÇA (Brasil). A Bienal Sesc recebe propostas até 10 de maio de trabalhos inéditos e não-inéditos, para sua 7ª edição, que acontecerá de 1º a 8 de setembro

Para participar:

Os interessados em participar poderão enviar suas propostas de 1º de abril a 10 de maio de 2011, somente pelo Correio e com Aviso de Recebimento (AR) para o endereço abaixo:

Bienal SESC de Dança 2011

SESC Santos

Rua Conselheiro Ribas, 136

CEP 11040-900

Bairro Aparecida

Santos | SP

Brasil

Serão selecionados espetáculos, performances e instalações para teatros, espaços abertos e alternativos.

A proposta deverá conter: o formulário de inscrição abaixo, preenchido e impresso;

(observação: após o preenchimento e o envio online com sucesso do formulário, você será direcionado para uma página específica para a impressão); histórico do grupo/companhia/artista; release do espetáculo;ficha técnica completa com a duração e detalhamento do espetáculo; necessidades técnicas (som, luz, cenografia, etc), tempo de montagem e desmontagem; número de profissionais essenciais para viagem; vídeo do espetáculo (atual ou do último trabalho realizado) ou link disponível para visualização do projeto; arquivo digital contendo três fotos (formato jpg) acima de 300dpi de resolução.

A Bienal SESC de Dança oferecerá aos contemplados:

- cachê,

- hospedagem,

- alimentação,

- transporte para grupos.

Mais informações:

http://www.sescsp.org.br/sesc/formularios/bienalDanca/index.cfm

Antes, a sala de aula

2011-05-02T12:20:00.005-03:00

Por Flávia Fontes Oliveira

Scheir | Foto: Amir Sfair Filho

A sala de aula é espécie de antessala do palco. E não há uma bela carreira sem um bom professor, independentemente da técnica. Atenção, ser bom não é ser bonzinho. Mas é preciso generosidade para olhar o outro, realçar qualidades e treinar dificuldades. Quem são os formadores em destaque no Brasil, o que fazem, como trabalham, o que pensam?

Com esta entrevista de Ricardo Scheir, do Pavilhão D, de São Paulo, inauguramos uma série com nomes da dança brasileira que alimentam a cena com dedicação e entusiasmo, mesmo que nem sempre sejam lembrados pelo público.

Scheir é reconhecido por seu olhar certeiro e exigência na sala de aula. Já revelou muitos talentos e, no dia a dia, “é chato”, como diz, pois precisa ensinar. Não mede esforços para ajudar e não tem medo de dizer que se desdobra para manter sua escola da maneira que acredita, sem concessões.

Teve como grande mestra Toshie Kobayashi, foi diretor e coreógrafo da W´atts Cia de Dança (1986-1989), dançou na Austrália com a David Atkins Dance Company na década de 1980. Atualmente, além da escola, atua como professor convidado e jurado em diversos festivais e eventos do Brasil. Para ele, não é apenas um corpo apto para a dança o que chama sua atenção em um jovem bailarino. Às vezes, é o olhar, às vezes o movimento do braço que o faz olhar duas vezes para a mesma pessoa. Muitos desses meninos e meninas que encontra pelo Brasil acabam hospedados em sua casa, quando não têm condições de se acomodarem em outro lugar.

Em 15 anos de escola, já recebeu inúmeros prêmios com seus alunos e como coreógrafo. Contudo, o que importa é transformar corpos brasileiros, fazê-los dançar. “Eu adoro o que faço.” Abaixo, um pouco de sua conversa com a Revista de Dança.

Como é seu trabalho no Pavilhão D?

Ricardo Scheir: Meu trabalho é de muita repetição. A repetição traz a perfeição. É um trabalho de formação mesmo, não só do balé clássico, mas da dança. Meu interesse é fazer com que os corpos sejam delineados e estejam prontos para se mexer de qualquer forma.

Qual a dificuldade desse dia a dia?

Scheir: O importante é quando você consegue achar, consegue cruzar com pessoas que têm aptidão e vocação. A aptidão seria ter um corpo bom para a dança, não são todos os corpos que são aptos, principalmente para o balé. Mas o mais importante é a pessoa ter vocação, gostar do ensaio, gostar de fazer aula, gostar de repetir.

Como bailarino, você gostava disso?

Scheir: Chegou um determinado momento da minha vida que isso já estava me saturando, eu não queria mais dançar. Comecei a me descobrir ao contrário, descobri outra coisa que é legal e tem esse resultado no palco.

Como se fosse, 2010 , de Scheir |
Foto: Amir Sfair Filho

Quando foi essa passagem?

Scheir: Essa passagem foi quando comecei a sentir dificuldades físicas para continuar exercendo a profissão de bailarino. E fiquei pensando: o que vou fazer agora? Eu não tinha na cabeça ter uma escola. Eu comecei a dar aulas para sobreviver, não por prazer, porque queria me manter com a dança e ver o que faria. E foi nascendo um prazer imenso. O legal foi quando descobri, vi o que estava montando, vendo resultados, transformando corpos. Se você pega uma menina, entre 10 e 13 anos, você transforma o físico dela para o resto da vida – ou para o bem ou para o mal. Você vê esta transformação e sente que ali tem arte é o casamento perfeito.

O seu grande barato é dar aula para pessoas com esta idade?

Scheir: O meu grande barato é dar aula para quem está a fim, não para quem paga a mensalidade. É que, nesta fase, você vê o corpo se transformar. Quando está mais velho a transformação é quase imperceptível porque ela é mais lenta, o corpo já está formado. Mas nesta fase, em três meses, você já vê a diferença.

Você também é considerado um ótimo olheiro da dança.

Scheir: Eu acho fundamental em qualquer professor, não só de dança, ter um olhar diferenciado para cada pessoa. Não pode ter um olhar aberto para todos, tem que olhar com calma e procurar qualidades em cada um. Algumas qualidades já estão a vista, outras você vai cutucando e encontrando. E ainda tem algumas pessoas que vejo, já passaram da idade, mas são inteligentes – como captam e transferem as informações para o corpo. Essa inteligência faz diferença. Você pode pegar uma menina de 17 anos, se ela tiver um bom físico para o balé, se ela for inteligente, em dois anos, você a transforma. Óbvio, quanto mais cedo começar, você vai modelando, vai deixando o corpo de uma forma que, quando ela for mais velha e tiver estrutura física, poderá fazer tudo que pedir. Quando o corpo não é jovem, o cérebro tem que trabalhar o dobro para cobrir essa falta.

Eu tenho aqui muitos adultos, muitos que vêm do interior, com 18, 19 anos. Com eles, eu tenho que ser muito rígido. Fazê-los estar atentos a tudo na aula. Chego a ser chato, mas é para o bem deles. Eles não têm tempo para esperar sentir no corpo, eles têm de fazer o corpo sentir aquilo, tem de usufruir da inteligência.

Segundo Toque, 2010, de Scheir. Foto: Divulgação

Você também consegue ver alguém dançando qualquer estilo e perceber que tem talento?

Scheir: Eu viajo muito, o Brasil inteiro, dou aulas. Às vezes, algo me chama atenção. É difícil explicar. Se eu olho duas vezes, eu olho a terceira para ver por que olhei. Às vezes, é só o olhar, às vezes, como mexe o braço. Eu vejo qualidades, não precisa ser sempre a mesma coisa. Às vezes, a coisa aparece quando menos se espera. Eu me lembro de um grupo em um concurso que tinha vários jovens fazendo dança de salão. Eu vi um adolescente e ele me chamou atenção, era diferente dos outros, a forma como ele se mexia, a forma como olhava, a forma do pescoço. Eu cheguei para a professora e falei que gostaria de conhecê-lo e pedi para ele fazer uma aula minha. A professora disse que ele não fazia balé, mas falei que não tinha problema, só queria vê-lo com mais calma. Realmente ele não sabia nada de balé, mas ele tinha uma coisa natural, um brilho nos olhos, que achei lindo. Eu perguntei se ele não queria fazer qualquer tipo de dança; depois de uns três meses, apareceu na escola. Ficou aqui dois anos e já está na Alemanha há cinco. Nesse caso, não foi o físico que me chamou atenção, aquela coisa de ter en dehors, de ter a perna alta – isso também me chama atenção, é lógico. O que me chama atenção é isso que não consigo explicar, quando me faz olhar duas vezes

Para você, o que é importante em uma escola?

Scheir: Para mim, é um negócio, tem um lado comercial, mas o importante em uma escola é educação e formação.

Sua escola tem uma educação formal em dança? Com diploma?

Scheir: Eu não me prendo a isso. Para mim não existe: “olha, aqui está seu diploma, você está formado”. Para a arte, não existe isso, porque tem um momento que não adianta o papel. Não é o tempo de dança que faz de você um bailarino, é o que realmente você tem de dança que a escola colocou para fora e mostrou sua capacidade de viver disso, de viver a dança. A pessoa pode ficar 15 anos fazendo aula, isso não quer dizer que ela vai ser uma bailarina. Uma parte técnica ela pode conseguir, meu diploma pode servir tecnicamente. Porque a escola dá a técnica, agora a arte, o talento, nós só lapidamos, já tem que vir com a pessoa.

Anton, 2010, de Scheir |
Foto: Amir Sfair Filho

Como você consegue dar atenção particular em uma aula com tantas pessoas?

Scheir: Este é o segredo dos professores. Dentro de uma sala de aula, com trinta pessoas, eu tenho que saber fazer valer aquela aula para trinta corpos diferentes. Nós não temos trinta corpos iguais, como a escola do Bolshoi, por exemplo, onde vemos quinze meninas com o mesmo tamanho de perna, mesmo tamanho de pescoço, mesmas condições físicas. Neste caso, define-se uma aula, uma técnica e elas são preparadas. Nós temos corpos diferentes: um tem tendão mais curto, outro mais longo, outro tem a musculatura mais forte, outro tem musculatura mais frágil, outro pensa mais rápido. Eu tenho que saber lidar com isso e fazer com que a aula seja boa para todos ao mesmo tempo. É um desafio, é disso o que eu gosto. É um desafio ter um rapaz longilíneo, com físico bom, e ter um rapaz todo troncudo, curto, todo antidança; é bom ter os dois juntos. Eu vou dar a mesma aula para os dois, mas vou fazer com que os dois trabalhem diferentes, são os desafios que temos no Brasil.

Qual a carga horária para quem quer se profissionalizar?

Scheir: Eles ficam na escola três ou quatro horas por dia.

Quanto tempo você tenta trabalhar com um bailarino?

Scheir: Eu não tenho um tempo determinado, é até a hora que eu vejo que ainda está valendo a pena tentar. Algo me diz, chega.

Alguns de seus alunos dançam hoje em alguma companhia no Brasil?

Scheir: Sim. Tenho ex-alunos no Balé da Cidade, na Cisne Negro Cia de Dança, São Paulo Companhia de Dança, entre outras.

Conjunto clássico, 2010, de Ricardo Scheir | Foto: Alceu Bett

Você ainda hospeda bailarinos que são de fora de São Paulo em sua casa?

Scheir: Neste momento tem pouco, mas estão previstos mais dois.

Poderia contar um pouco desta história.

Scheir: Tudo tem um preço a pagar. Eu vejo estes talentos e vejo também que eles não teriam condição de viver em São Paulo, não é fácil viver em São Paulo. Eu tento, da minha forma, ajudar e uma das formas que posso ajudar é oferecer a casa por um tempo.

Tem alguma regra?

Scheir: Dentro de casa, coloco algumas regras, alguns itens para convívio. Se não é complicado, alguns são desconhecidos. Eu não tive muitos problemas até hoje e já coloquei muitas pessoas lá. Digamos que 10% tenha me dado algum trabalho. É uma porcentagem muito pequena, a grande maioria soube se portar. Nós temos muita coisa em comum. Eu tenho sede dessa formação, eles têm sede dessas informações para formação. A única coisa meio ruim é que não consigo me desligar porque eu saio daqui, vou para casa, e continua o mesmo tema.

Quantos alunos têm na sua escola?

Scheir: Depende. Porque falo isso, tudo tem um preço a pagar para manter essa qualidade. Por exemplo, se você é uma mãe e chega aqui, quer uma avaliação, eu sou sincero, vou falar exatamente o que vi. E nem todas gostam dessa franqueza, mas eu prefiro ser franco. Se ela quiser matricular a criança assim mesmo, não vai ter cobrança. Mas a grande maioria não aceita e vai embora. Se a pessoa não tem realmente jeito, o mínimo, não é aptidão, é jeito para dançar, eu não coloco para dançar. Não é pagando que vai colocar a criança para dançar, eles (os pais) pagam a mensalidade para fazer aula, mas alguns acham que, se pagam, tem o direito de dança, e dançar o que quer. Comigo não é assim, com isso, óbvio, eu perco muito aluno. Eu trabalho muito fora da escola, onde eu realmente ganho dinheiro. A escola eu quero que ela se mantenha. Ela se mantém para que seja um laboratório. Eu tenho hoje cerca de 130 alunos e 40 bolsistas.

Todo professor ou formador é bravo?

Scheir: Não sei. Tem algumas pessoas que se eu chegar para elas e falar assim: o ombro aqui tem que ser baixo e o joelho bem esticado, você entendeu? Ela vai entender. Para outro, eu tenho que falar (em tom bravo): você ainda não entendeu que o ombro é baixo e o joelho é esticado? Isso é como ter dois filhos, para um, às vezes só chegar e informar são suficientes, para outro, você precisa informar e mudar o tom de voz para a pessoa ficar atenta. Digamos que eu seja chato. Eu sou chato. Alguns professores desistem, eu sou chato. Se entrarem comigo na sala, vão tem que entender. Eu vou procurando jeitos de fazer isso. Falando normal, falando sério, sendo rígido, tirando barato, eu vou procurando alguma forma, algum resultado vai ter que dar. Eu não tenho uma forma de trabalhar, eu vou procurando formas de ter resultados.

Qual sua maior referência?

Scheir: Minha referência é a dona Toshie (Toshie Kobayashi), minha mestra. Ela me fez ter amor ao balé, amar isso. Quando eu falei que pretendia ter uma escola e o apoio dela era importante, ela me disse: se você quer ter uma escola, eu vou te apoiar ao máximo, mas você vai ter que estar aqui e vai me assistir a dar as aulas. Para mim, foi um grande aprendizado técnico, o que ela via, como ela enxergava aqueles corpos. Ela brincava: o importante é chegar ao supermercado, cada um vai ter um caminho, um vai ter um caminho mais plano, outro talvez uma descida, outro uma subida, outro cheio de curvas. Eu digo que o bom professor não é aquele que dá uma boa aula, o bom professor é aquele que tem uma aula que traz resultados. Não adianta eu ter uma aula pronta se aquela aula não está trazendo resultados para aqueles corpos que estão ali. Eu estou sendo um bom professor se eu entender aqueles corpos e fizer com que eles dancem.

Qual seu desafio hoje?

Scheir: Eu ainda quero ter uma grande república da dança, onde as pessoas não tenham que pagar para ter estudo e eu possa oferecer trabalho psicológico, físico, artístico. É um sonho e ainda vou ter.

A Graça de Mayara Magri

2011-04-29T11:00:00.023-03:00

Por Marcela Benvegnu

O sobrenome de Mayara, a mais nova estrela da dança brasileira em todos os sentidos, vai além do Magri. O complemento: Venerando da Graça faz jus ao que ela vem fazendo com o público nos palcos do mundo. Aos 16 anos, a adolescente que mora na Comunidade do Mata Machado, no Alto da Boa Vista, no Rio de Janeiro, se prepara para voar alto: integrar como aluna a Royal Ballet School, em Londres, a partir de setembro de 2011. “Sempre desejei estudar na Royal, por ser uma companhia grande e muito conhecida, e também porque eles me proporcionaram toda a ajuda de custo necessária para a minha sobrevivência no exterior. Isso é maravilhoso. Era tudo que eu precisava até conseguir me sustentar sozinha”, fala Mayara.


Em Joinville recebendo o prêmio de melhor bailarina \| Divulgação

A bailarina vai para Londres porque recebeu o primeiro lugar no Prix de Lausanne, na Suíça, além do prêmio de melhor bailarina pelos olhos da plateia, em fevereiro. O Prix de Lausanne é atualmente o mais importante concurso de dança para jovens e tem como objetivo conceder aos mais talentosos bolsas de estudo nas mais reconhecidas instituições de dança do mundo. No Prix é preciso dançar variações clássicas estipuladas pela organização e aprender coreografias de dança contemporânea durante os dias do concurso. Os alunos também são observados nas aulas pelo júri.

A vaga para Lausanne foi garantida no Festival de Dança de Joinville, em julho de 2010, quando Mayara foi eleita a melhor bailarina do festival. “Em Joinville foi o início de um sonho, dançar o grand pas de deux de Cisne Negro foi maravilhoso. Fui recompensada por todo trabalho e foi extremamente gratificante”. Quando Mayara foi para Joinville já tinha Lausanne como foco. “Fui com esse intuito. Joinville seria a ponte para o Prix de Lausanne”, completa.

E com a vaga garantida, o trabalho entre setembro de 2010 e fevereiro de 2011 foi intenso. “Eu queria muito ir bem, mostrar aquilo que eu já vinha aprendendo, e que o Brasil já conhecia, mas o exterior ainda não. Ter sido reconhecida desta maneira foi uma emoção inexplicável”. Em Lausanne, Mayara dançou a variação do 1º ato de Coppélia (1870), de Arthur Saint-Léon. “É uma variação bem diferente de Cisne Negro. Tive muitos ensaios nas férias, nada de praia, nada de comida liberada. A alimentação teve que ser muito regrada e saudável, mas foi um esforço que valeu muito a pena. A organização do concurso é indescritível e toda a estrutura e o suporte que os bailarinos recebem, perfeitos. O Prix de Lausanne é hoje o maior concurso do mundo em aspectos gerais.”

Na variação de Coppélia, em Lausanne | Divulgação Prix

Mesmo com a bolsa garantida para a Royal Ballet, Mayara embarcou para Nova York, em março, para participar de outro importante concurso, o Youth America Grand Prix, que também premia com bolsas de estudo jovens talentos. Como já era esperado, conquistou a todos. Primeiro lugar novamente. “No YAGP interpretei a variação de Cisne Negro que era a variação proposta desde o início pelos meus professores para ser trabalhada e dançada durante o ano. A variação foi um presente para mim, afinal, que bailarino nunca sonhou em dançar O Lago dos Cisnes? Apesar de nunca ter tido um balé preferido, porque acho que temos que ser versáteis como bailarinos, tenho um carinho por essa peça e realizei parte do meu sonho”, conta.

Ainda em Lausanne: coreografia contemporânea | Divulgação Prix

OLHAR PARA O MUNDO – Mayara sempre gostou de dançar, mas como tem outras duas irmãs, ficava difícil para os pais sustentarem artisticamente as meninas. Foi por intermédio de uma amiga que Mayara conheceu o projeto social Dançar a Vida, da Escola de Dança Petite Danse. “Quando entrei para a Petite Danse, eu e minhas irmãs tivemos total apoio financeiro do projeto, o que foi um alívio para meus pais, já que não tínhamos condições de pagar”, revela. “Quando comecei, não tinha essa vontade de ser profissional de dança. Fazia aulas porque eu gostava. Essa minha visão profissional chegou quando eu fui para a Cia. Petite Danse e comecei a dançar em festivais do Brasil e do exterior, embora a Nelma Darzi, dona da Petite Danse, sempre tivesse dito para minha mãe que eu seria uma grande bailarina.”

Mayara acredita que tenha se apaixonado por balé por conta dessa mistura entre interpretação e técnica. “Para mim, a carga interpretativa sempre foi o lado mais trabalhoso, pois a técnica nós trabalhamos no dia a dia, em aulas, e a interpretação nem sempre. Por exemplo, interpretei o papel de Giselle (1841), de Jean Coralli e Jules Perrot, ainda muito nova, mas este também foi um trabalho de muito aprendizado, já que aos 14 anos eu teria um personagem tão carregado, emocionalmente falando. Giselle e Odile são personagens completamente diferentes. Ambos muito difíceis e também muito gostosos de fazer. Depois destes papéis que me foram propostos, não consigo viver sem a dança por perto”.

No pas de deux de Cisne Negro | Divulgação Stars Dance

A bailarina tem consciência de que as privações valem a pena. “Penso que tudo que fiz, todo esforço, todas as vezes que deixei de comer um chocolate, todas as vezes que deixei de sair com meus amigos da escola e perdi meus fins de semana e feriados, nada foi em vão. Acredito que tudo tenha dado certo pela disciplina e pela responsabilidade que tive com aquilo que me propus a fazer desde tão jovem. E eu só tenho a agradecer a todos que me ajudaram e me apoiaram, pois não consegui nada disso sozinha”.

O desafio em Londres é, na verdade, um medo. “O meu maior medo é perder a humildade que me ensinaram tanto, pois acho que se eu esquecer isso será impossível crescer na vida, principalmente no mundo da dança. Quero me dar bem no Royal, e conseguir fazer uma carreira sólida. Sonho em melhorar financeiramente para poder ajudar meus pais no que eles precisarem já que eu fui ajudada por eles e também ajudar o projeto social da Petite Danse, foi ele que me deu a oportunidade de estudar dança gratuitamente. Quero ser feliz fazendo aquilo que eu realmente amo, que é dançar.”

Começo

2011-04-26T15:29:00.000-03:00

Não foi planejado, mas serviu como incentivo. Começar a Revista de Dança na semana do Dia Internacional da Dança. É um início e esperamos que seja de muitos passos. Um brinde!

naBolsa | Pedro Pupa

2011-04-26T15:26:00.001-03:00

Por Marcela Benvegnu

Trocar SP por Miami para dançar = Pedro Pupa | Crédito: Emily Fauci

“São três pares de sapatilhas brancas e bege, meias brancas, sapato de jazz, polaina para os pés, elástico de cintura, malhas preta, duas camisetas de aula, desodorante (na verdade ,são dois desodorantes, um spray e um roll-on). Também tem linha branca, agulha, elástico de sapatilha, elástico para fazer exercício de pés, macacão de aquecimento, calça plástica, suporte, talco para pés, pomada relaxante, ipod e uma agenda.”

Pedro Henrique Pupa, 17, é aluno da Miami City Ballet School, em Miami, nos Estados Unidos. Nasceu em São Paulo, sonha em ser bailarino profissional e um dia dançar um balé de George Balanchine.

_____Revista de Dança______

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